EtherREAL - Magazine de musiques actuelles - électroniques, expérimentales - et de pratiques artistiques contemporaines

Soto

François Bousquet — 2013-05-19T11:53:25Z

Désireux de travailler en commun avec le Palais de Tokyo, qui présente en ce moment une monographie de Julio Le Parc sur laquelle on vient de s'arrêter, le Centre Pompidou consacre sa Galerie du Musée à Jesús Rafael Soto, autre figure de l'art cinétique. Vénézuélien d'origine, installé en France avant de décéder en 2005, Soto voit ses héritiers proposer en dation une vingtaine d'œuvres au Musée d'art moderne. C'est à partir de ces créations que le lieu parisien concocte cette mini-rétrospective qui permet de parcourir l'intégralité du travail de l'artiste, des peintures aux installations volumétriques.


Spirale: (courtesy Centre Pompidou)

En admirateur des maitres de l'abstraction que furent Malevitch et Mondrian, Soto produit des réalisations très épurées, marquées par un fort aspect vibratoire ; ainsi, lignes et fines rayures noires et blanches superposées favorisent la sensation d'une forme d'ondulation de ses œuvres. Plus encore, la Spirale, une des premières pièces de l'artiste (1955), prend une dimension vertigineuse en cumulant trois dimensions : peinture sur bois à l'arrière-plan, peinture sur plexiglas au premier plan et ombre portée de l'avant vers l'arrière des cercles. Avec cette conjonction, de simples cercles concentriques superposés peuvent effectivement figurer une spirale infinie et jouer alors sur la perception du spectateur, à la fois trompé par l'œuvre et emporté par elle. Le jeu sur la perspective sera encore plus poussé dans les années 1980 quand Soto combina carrés de peinture plus ou moins éloignés de la toile, comme s'ils étaient en mouvement, avançant et reculant, cherchant presqu'à s'échapper du châssis (Senegalés).


Cube Pénétrable: (courtesy Centre Pompidou)

Largement mis à contribution, le public est même invité à participer aux volumes suspendus, à entrer littéralement dans cet amas de tiges pendues au plafond et, par conséquent, à faire véritablement vibrer les œuvres de la série des Pénétrables (mécanisme particulièrement goûté par les nombreux enfants présents dans l'exposition). Au milieu de celles-ci, les tiges se révèlent être d'une couleur différente, générant une mise en abyme puisqu'au sein du cube se trouve un cube interne, technique également reproduite dans des créations où des fils de nylon horizontaux sont colorés d'une autre teinte que les lignes de la toile derrière eux.


Extension: (courtesy Centre Pompidou)

Si les autres expérimentations de Soto s'avèrent moins pertinentes (Sans Titre (Leño Viejo) et son travail sur morceau de bois ou sa Vibration Jaune dans laquelle la couleur est amplement mise à contribution), on reste ébahi devant la capacité vibratoire de quelques pièces comme cette Extension, ensemble de tiges de métal peintes sur un plan carré (4m x 3m) de formica.

Low / Mire Kay

François Bousquet — 2013-05-17T08:42:34Z

Tandis que nous avions un peu hésité avant d'aller voir Low à la Gaîté Lyrique il y a un an et demi et bien que le dernier album en date du groupe ne nous ait pas complètement convaincus, c'est sans atermoiement aucun que nous nous rendîmes à la Maroquinerie, En effet, l'emballement à l'issue de leur long concert de la fin 2011, le retour de la formation du Minnesota dans un lieu qui leur est cher (leur seul live officiel y a été enregistré) et la présence de Mire Kay en première partie constituèrent autant d'arguments pour que l'on prenne le chemin de la salle quasi-complète (et qui avait, fort heureusement, réussi à faire fonctionner ses climatisation et ventilation).

Formé sur les brisées d'Audrey (ce quatuor suédois dont nous avions tressé des louanges au milieu des années 2000 mais qui s'est sabordé depuis), Mire Kay permit de retrouver Victoria Skoglund à la guitare et Emelie Molin au violoncelle, soit deux des quatre membres d'Audrey. Musicalement, c'est donc sans surprise qu'on aboutit à un résultat assez proche (sortes de ballades slow-folk) même si la configuration de cette tournée, avec la présence des deux seuls instruments précités, conduisit à un ensemble plus pauvre que sur disque. Sans batterie, ni clavier, ni basse, ni seconde guitare, le dépouillement induit amena à être davantage attentif aux limites du duo : rythmique de la main droite de Victoria un peu répétitive, présence d'Emelie un rien trop discrète (qu'elle jouait en pizzicati ou à l'archet), compositions quasi-similaires. Demeurèrent néanmoins leurs timbres particuliers et leur capacité à les marier dans de belles harmonies vocales qui tendirent un pont vers le groupe opérant en tête d'affiche.

De fait, on le répète à chaque recension d'un concert de Low, la manière qu'ont Alan Sparhawk et Mimi Parker d'unir leurs voix, d'opérer l'un au chant, l'autre au contrechant (Canada) ou de s'occuper des vocalises quand l'autre se charge du chant principal constitue bien l'un des points forts du trio états-unien. Au sein d'un set dans lequel on put saluer une forme d'habileté à ne livrer aucun de ses récents « tubes » (ni Hatchet, ni Just Make It Stop), Low se fit probablement plus pertinent quand Mimi officiait au chant principal (So Blue, Especially Me, In Metal). Depuis quelques années, le couple est accompagné par Steve Garrington au clavier, mais surtout à la basse, dont les slides purent embellir Murderer et Sunflower, magnifiquement enchaînés dans une seconde moitié de set globalement plus concluante que la première.

Alors qu'à la Gaîté Lyrique, on avait pu stigmatiser quelques difficultés dans la mise en place de chaque morceau, on remarqua, cette fois-ci, un soin tout spécifique apporté aux introductions, avec quelques accords de clavier et interventions en nappes de la guitare d'Alan, propres à créer un tapis pouvant ensuite accueillir mélodies et chant (On My Own). Ne reniant pour autant pas ses titres plus enlevés (Monkey, Canada), le groupe sut en donner des versions plus sombres, comme trempées dans la suie, avant de terminer son concert, sans toutefois l'habituel appel aux demandes du public, par le formidable Last Snowstorm Of The Year et le profond I Hear… Goodnight.

Daniel Dewar & Grégory Gicquel : Jus d'Orange

François Bousquet — 2013-05-16T16:23:31Z

Lauréats du Prix Marcel-Duchamp en octobre dernier, Daniel Dewar & Grégory Gicquel vont être amenés à exposer au Centre Pompidou à l'automne prochain. Dans l'intervalle, c'est le Palais de Tokyo qui consacre au duo l'un de ses espaces (la galerie basse, dans les sous-sols du lieu qu'on commence à apprivoiser, grâce à une signalétique plus accessible, notamment par un fléchage au sol pointant vers chaque exposition). Courte proposition (deux pièces seulement), qu'il faudra peut-être, dans quelques mois, considérer comme un prélude à celle de l'Espace 315, Jus d'Orange voit les Français renouer avec leurs matériaux traditionnels.


Mixed Ceramics: (courtesy Galerie Lövenbruck)

En effet, on retrouve ce goût pour la sculpture, dans chacune des deux salles, conjugué à une double posture duchampienne dans la première. Ensemble de céramiques, Mixed Ceramics reproduit, d'une part, à l'échelle 1 des éléments de salle de bain (lavabo, évier, cuvette de sanitaires) et convoque, d'autre part, des process industriels dans une perspective artistique.


GIFS animés (extrait): (courtesy Galerie Lövenbruck)

Dans la lignée du Carl Cox statufié qu'on a déjà vu à plusieurs reprises, Dewar & Gicquel ont réalisé d'autres sculptures en argile dans la forêt, installant leurs personnages et animaux ainsi créés sur une souche d'arbre ou un monticule terreux. Les capturant en photos dans diverses positions ou à divers stades de leur fabrication, les Parisiens constituent ensuite des GIFS animés diffusés grâce à des projecteurs vidéos. Cette animation permet de donner vie à ces sculptures, dans un mouvement amusant et réaliste (Le Menuet, Motorcyclist) ou plus chimérique (Ram et sa multiplication des têtes de bélier). Le procédé un peu rudimentaire du GIF animé, montage haché et digne des premières heures d'internet, constitue alors un malicieux écho aux créations en grès ou argile.

Alva Noto / Le Cabaret Contemporain

François Bousquet — 2013-05-16T09:39:49Z

Très présent sur ces pages (il s'agit de la huitième recension d'un de ses concerts solos donnés ces dix dernières années, sans compter ses prestations en collaboration avec d'autres musiciens), Alva Noto passait à nouveau par Paris, optant cette fois-ci pour la Machine du Moulin Rouge. Fort bien remplie en ce début mai, la salle de Pigalle avait programmé, en ouverture de soirée, le Cabaret Contemporain pour son « Terry Riley Project », revisitation des pièces du compositeur états-unien effectuée en compagnie de Château Flight.

C'est donc peu après 21h que les sept musiciens s'installèrent sur scène, Gilb'r et I:Cube étant debout au fond, derrière une table où étaient disposées leurs machines, tandis que le quintet formant Le Cabaret Contemporain formait un arc de cercle à l'avant-scène. Deux contrebasses, un piano, une batterie et une guitare composent cet ensemble, chaque instrument étant mis à contribution pour créer des morceaux inspirés des créations de Terry Riley et agrémentées, donc, d'ajouts électroniques. Il en résulta une rencontre entre musique concrète et inflexions plus dansantes, marquée par une belle interaction globale entre instruments et électroniques, poussant petit à petit la chose vers des rivages plus club.

Néanmoins, on dut déplorer un mix assez brouillon (homogénéisant si l'on adopte un point de vue plus empathique) conduisant les contrebasses et le piano à ne s'entendre, la moitié du temps, que pour leur aspect percussif : archet frappant les cordes, poings tapant les touches, cordes de contrebasses slappées ou étouffées avec la main gauche, cordes du piano préparé pincées, etc… Quant à la guitare, elle se faisait la plupart du temps inaudible, sauf pour quelques accords pincés aux consonances psyché. Naturellement, le style appelait un étirement sur la longueur (travail sur la répétition, forme de sérialité musicale) mais un set d'une heure nous parut un rien trop ambitieux, a fortiori quand d'autres concerts sont programmés ensuite.

Paru il y a un an et demi, Univrs sert de support aux prestations actuelles d'Alva Noto, l'Allemand donnant une traduction scénique de son album comme il avait pu le faire précédemment avec Xerrox ou Unitxt. Cohérente avec son parcours et sa discographie, cette démarche génère toutefois un aspect trop programmatique de ses concerts, notamment dans l'utilisation des visuels : reprise de la charte graphique de cet album, façon circuit imprimé ou mapping de réseau avec vision d'ensemble pour le premier titre puis zoom sur chaque composant par la suite. Musicalement également, peu de surprises avec ce traditionnel mélange de hautes fréquences, de claquements sonores, de micro-larsens et de rythmiques minimalistes et métronomiques. Demeurant quand même impressionnante, la performance de Carsten Nicolai put également saisir les auditeurs en ayant recours à des éléments plus abrasifs ou en basculant soudainement dans quelques secondes arythmiques, uniquement portées par un son type modem 56k qui se connecte, avant de repartir de plus belle tandis que les flashes aveuglant crépitèrent derrière lui.

François Curlet : Fugu

François Bousquet — 2013-05-15T19:23:16Z

Le détournement d'objets est un procédé extrêmement couru chez les plasticiens contemporains, qu'il s'agisse de mettre en place un ready-made ou d'opérer dans une forme ironique. Spécialiste de ce type d'approche, François Curlet la convoque majoritairement dans la monographie que lui consacre le Palais de Tokyo dans l'un des espaces du sous-sol, ensemble de belle taille et permettant d'appréhender correctement le travail du Français exilé à Bruxelles depuis quelques années.

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Vue de l'exposition

De fait, il s'agit pour Curlet de partir de signes de notre quotidien ou de notre patrimoine culturel pour les façonner à son gré : panneau de signalisation « walk/don't walk » qui devient Moon Walk, scénario storyboardé puis filmé intitulé Jonathan Livingston et fondé sur le film Harold et Maude, cube des minimalistes états-uniens auquel il adjoint une petite antenne surgissant de temps en temps (American Dino - Œuf de Voiture). Au-delà de cette méthode, le Français opère également par transformation ou reconfection artisanale d'un objet préexistant. Ainsi peut-il adjoindre deux verres déformants à sa Vitrine, armoire vitrée, réaliser un Moteur en osier, fabriquer un logo Leader Price à base de dessus de tables en formica ou produire une Djellaba Adidas, croisement entre le vêtement traditionnel et la marque aux trois bandes.


Rorschach Saloon: (courtesy Galerie Air de Paris)

Décalé, ce geste dit le recul avec lequel François Curlet envisage le monde qui l'entoure, recul qu'on peut retrouver dans la fascination développée pour la mort et les œuvres-tombeaux. Une Jaguar reconvertie en corbillard accueille, par exemple, le spectateur à l'entrée de l'exposition, un poste de télévision façon pierre tombale en granit et marbre trône au centre de la première pièce, une installation se veut évocation de l'appartement du Paster Pandy, serial killer bruxellois et on peut même raccrocher à cette thématique le Bunker pour six œufs en béton, à la fois coque de protection renforcée mais aussi forme de crypte mortuaire. Pour quitter l'univers de Curlet et retourner dans le monde « normal », le plasticien nous invite à passer dans le Rorschach Saloon, sas de décompression dans lequel les célèbres taches recouvrent les murs tandis que vodka et whisky sont proposés au visiteur pour ouvrir un peu plus ses sens.

Oiseaux-Tempête / Temps Zéro

François Bousquet — 2013-05-15T08:35:58Z

Portés sur l'exploration de formes exigeantes et aventureuses, les Rendez-vous contemporains régulièrement proposé par l'Église Saint-Merry proposaient, en ce vendredi soir balayé par la pluie et le froid tombés rapidement sur la capitale, un double plateau musical et visuel. La soirée débuta par un court-métrage de Lorenzo Castore et Adam Cohen, portrait d'Ewa et Piotr, sœur et frère du troisième âge, vivant ensemble dans le même appartement de Cracovie. À la place du son du film, Christian Fennesz avait été convié à proposer un accompagnement, enregistrement qui nous convainquit nettement plus que No Peace Without War lui-même, court-métrage assez peu probant car trop convenu dans sa description d'un quotidien difficile.

Nouveau projet du très actif Frédéric D. Oberland, Oiseaux-Tempête voit le Français opérer à la guitare, aux côtés du fidèle Stéphane Pigneul, dévolu à la basse, et de Ben McConnell à la batterie et autres percussions. Avec ce trio, c'est sa veine post-rock contemplative qu'Oberland poursuit, choisissant de mettre en symbiose compositions musicales et travail visuel. Sous cet aspect, les vidéos de Stéphane C. étaient diffusées derrière les trois musiciens placés dans le chœur de l'église : suites de petites saynètes à la fois narratives et décalées, elles pouvaient néanmoins donner l'impression d'une désynchronisation pas très heureuse avec la musique. Partant, c'est sur cette dernière qu'on préféra se concentrer, appréciant les longs instrumentaux, savourant la vigueur épisodique du jeu de batterie ou la participation d'un grand Glockenspiel, goûtant la participation, dans la seconde moitié du concert, de Gareth Davis, venu donner une couleur plus free à l'ensemble grâce à sa clarinette basse.

Précisément, c'est le musicien anglais qui, après un entracte, officia aux côtés d'Éric Chenaux pour une séance d'improvisation dénommée Temps Zéro. Tandis que déroulaient des diaporamas de quelques épreuves d'une vingtaine de photographes, le Canadien et l'Anglais distillaient des interventions tout à fait dans la logique de ce qu'on peut attendre d'un tel schéma. Sans véritable lien, les images défilaient et les musiciens jouaient dans ce qui apparut alors comme relevant probablement davantage du dispositif. Alternant jeu free ou plus plaintif, Gareth Davis sut quand même nous toucher par cette modulation de son instrument alors qu'Éric Chenaux, dont on avait pu écouter avec satisfaction ses premiers disques sur Constellation, laissait aller sa guitare dans des contrées plus bluesées, à l'aide d'une pédale wah-wah, pour un résultat moins concluant.

Sous Influences

François Bousquet — 2013-05-14T10:19:47Z

Toujours intéressée par les mediums (on se souvient de l'exposition consacrée aux rencontres entre BD et art contemporain, ainsi qu'à celle sur les néons) comme à la manière dont ils sont créés, la Maison Rouge s'attache à présent à la relation entre artistes et psychotropes, sous-titre de Sous Influences, présentation collective (très collective même puisqu'on y trouve presque 100 créateurs).

Sans réelle surprise, sinon celle d'être face à des pièces du XIXe et de la première moitié du XXe siècle, chose pas si fréquente en ce lieu, on va croiser les grands auteurs des deux siècles précédents qui ont utilisé diverses drogues comme aide à la création : Artaud, Cocteau, Baudelaire, Michaux. Les œuvres alors exposées oscillent entre le génial (au sens d'émanation d'un génie artistique) et le délire sans autre portée que celle de témoigner de la prise de substances. Dans la même perspective, d'autres pièces nous montrent les effets de l'injection de psychotropes sur des artistes plus contemporains : quelques-uns de 9 000 autoportraits réalisés par Bryan Lewis Saunders alors qu'il était sous l'emprise de drogues, dessin de Jean-Michel Basquiat probablement tracé sous héroïne, collages de Jean-Jacques Lebel après absorption de peyotl, planches dessinées par John Batanne sous psychotropes, expérience de Francis Alÿs cherchant à se perdre dans Copenhague alors qu'il était drogué, vidéo dans laquelle Rodney Graham se montre lui-même en pyjama à l'arrière d'une voiture sous hypnotique.

Alors que toutes ces propositions pouvaient se montrer, pour quelques observateurs et visiteurs, un rien complaisantes, elles sont contrebalancées par des salles s'attachant aux effets néfastes de ces différentes substances : guerre liée au narcotrafic (documentaire de Gianfranco Rosi - déjà vu l'an passé au Musée d'art moderne de la Ville de Paris dans le cadre de l'exposition consacrée aux artistes mexicains), bas-relief d'Hervé Di Rosa), actualités dramatiques diverses (travail sur les « unes » du Monde par Jean-Baptiste Audat qui a caviardé toute information non relative aux drogues) et surtout ravages sur les corps. Les photographies de Larry Clark (un extrait de la fameuse série Tulsa), Alberto García-Alix et Antoine d'Agata optent ainsi pour une approche quasi-documentaire qui ne revêt rien d'esthétisant, à la différence de celles de Nan Goldin qu'on trouve plus loin.


François Curlet - Triple Notre Dame: (courtesy Galerie Air de Paris)

Pour alléger un peu le propos (et affirmer que toutes les drogues ne se valent pas ?), le commissaire et médecin spécialiste des addictions Antoine Perpère a disposé quelques œuvres ayant trait à l'alcool autour du patio, en pleine lumière et face au restaurant. François Curlet peut ainsi livrer un dessin mural humoristique (un Parisien ivre voit trois tours à Notre-Dame), Jeanne Susplugas un aphorisme décalé (L'aspirine, c'est le champagne du matin), Robert Filliou montre une bouteille de vin aspirant à devenir bouteille de lait et Esther Ferrer trace un parallèle entre couleur d'alcool et classes sociales françaises. Également plus inoffensifs en apparence (au reste, ils sont placés en face du I wanna be well écrit au néon par Claude Lévêque), plusieurs champignons hallucinogènes forment un ensemble dans lequel on retrouve des créations de Philippe Mayaux, Peter Fischli et David Weiss (deux photographies concoctées avec leur technique de superposition de deux images), Takashi Murakami et Carsten Höller.


Raymond Hains - American Express: (collection Leïla Voight)

Au-delà de ces développements, on attendait aussi de l'exposition, à la lecture des documents qui l'accompagnent, qu'elle essaye de nous faire ressentir la prise de psychotropes. Certaines pièces s'y hasardent mais, malheureusement, elles sont dépourvues d'effet, soit délibérément (l'étoile en résine de cannabis d'Adel Abdessemed a perdu toute nocivité, l'herbier d'herman de vries n'est en réalité qu'un catalogue des plantes qu'il a lui-même ingérées), soit en raison d'un accrochage annihilateur (les murs du Swinging Corridor de Carsten Höller ne peuvent bouger s'ils touchent le sol au lieu d'être uniquement pendus au plafond). Demeurent cependant quatre œuvres qui parviennent à cet objectif : l'American Express de Raymond Hains (vue à travers des lunettes aux verres cannelés, comme si on était ivre), une installation de Yayoi Kusama (cube de miroirs, sol rouge à gros pois, formes type ballons géants dans les mêmes motifs), conférence filmée de Gary Hill sur le LSD (texte et mouvements ont été interprétés à l'envers, puis la vidéo a été remise dans l'autre sens) et film de Ben Russell, malicieusement installé dans un cube noir parcouru d'une frise-miroir, qui nous transporte effectivement dans l'état souhaité, en nous montrant les visions d'une jeune femme sous LSD.

Julio Le Parc

François Bousquet — 2013-05-13T13:14:49Z

De Julio Le Parc, on avait le souvenir d'installations magistrales dans l'exposition Erre du Centre Pompidou-Metz, ainsi que quelques pièces d'un plus petit format vues en galerie. Pour compléter notre connaissance du plasticien argentin, le Palais de Tokyo lui consacre une grande monographie, s'étalant sur la quasi-totalité du niveau 2, à l'endroit principal du bâtiment ancienne mouture. Passés les avertissements placardés à l'entrée de l'exposition (que les épileptiques prennent garde aux clignotements ! que les enfants ne se perdent pas dans les espaces obscurs !), le public peut pénétrer, au sens premier, dans cette suite de petites salles où il s'agit de frayer un chemin et de grands espaces dans lesquels les œuvres de Julio Le Parc sont disposées en majesté.

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Vue de l'exposition

Sculpter la lumière constitue alors comme une des préoccupations majeures de l'artiste, avec ses compositions par lesquelles il va imposer aux faisceaux lumineux une trajectoire donnée, les enserrer dans des dispositifs favorisant leur réflexion sur des petites plaques d'acier ou sur des miroirs. Tentant ainsi de faire apparaître ce qui, normalement, ne peut être véritablement matérialisé, l'Argentin approche une forme de mysticisme ludique où le spectateur est pleinement acteur de l'exposition. Moduler cet espace de monstration en sollicitant le visiteur est également une volonté de Le Parc, le mettant à contribution en contraignant son déplacement (à plusieurs reprises, il faut avancer parmi de larges lamelles accrochées au plafond et obstruant le passage). Rapidement désorienté au milieu de ces labyrinthes d'acier ou de tissu, le public se voit ainsi proposer une approche sensorielle et immersive des œuvres, l'exposition poussant même cette logique participative jusqu'à offrir, à la toute fin, une salle de jeux pour essayer les expérimentations de Julio Le Parc.

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Vue de l'exposition

Très prisée des familles et enfants, la monographie conjugue à la fois cette dimension ludique et des réflexions poussées sur le mouvement et la perception : dans chacune des pièces mobiles du créateur, on est conduit à se demander qu'est-ce qui bouge. Sont-ce le support, la surface ou bien les composantes matérielles mises dessus ? Captivé par ces jeux d'optique, le spectateur peut choisir de rester dans l'ignorance, juste hypnotisé par l'utilisation du noir et blanc, du plat et du relief, des miroirs et des peintures, ou alors se rapprocher des créations et tenter d'en percer le mystère.

Si la bichromie noir/blanc est majoritairement utilisée par Julio Le Parc, il sait aussi faire palpiter la couleur qui émerge derrière un disque noir, telle une explosion solaire surgissant derrière un astre sombre. Cette couleur qu'il peut également faire éclater dans quelques compositions très chamarrées, pas forcément aussi convaincantes que le reste de ses travaux mais qui ont le mérite de prouver qu'il peut intervenir dans d'autres champs que le strict Op Art. Pour autant, c'est bien ce domaine qui constitue le fort de cette belle et foisonnante monographie.

Paint It Black

François Bousquet — 2013-05-10T11:15:33Z

Comme il le fait régulièrement (on se souvient de Prospective XXIe siècle, regroupement montré il y a deux ans), le FRAC Île-de-France réunit quelques-unes des œuvres récemment acquises et les expose au Plateau dans une exposition collective. Pour cette présentation, Xavier Franceschi, directeur du lieu et commissaire, a retenu des œuvres en noir et blanc et les a regroupées sous l'intitulé Paint It Black, sans qu'on sache très bien, à l'image de l'œuf et de la poule, s'il s'est aperçu que les dernières acquisitions étaient en noir et blanc et a alors décidé de constituer cette exposition ou bien s'il a d'abord eu cette idée et a alors choisi, dans le fond, des créations travaillant autour de cette bichromie.

Quoiqu'il en soit, l'espace (lui aussi paré alternativement, suivant les salles, de noir et blanc) présente donc une vingtaine d'artistes et, pour donner une cohérence à un ensemble forcément un peu disparate, propose comme fil rouge des partitions musicales. Objets noir (les lignes de la portée, les notes) et blanc (la feuille), les partitions sont encadrées et accrochées mais jamais la traduction musicale n'en est donnée. Évidente quand il s'agit de l'exercice de Pierre Huyghe autour du 4'33'' de John Cage, cette démarche l'est moins pour les pièces de Nina Canell, Olaf Nicolai ou du duo Annika Larsson et Augustin Maurs. Cette forme de paradoxe peut néanmoins servir de grille de lecture pour la totalité de Paint It Black, exposition qui, en dépit de son titre, joue sur l'absence (de musique) et la rémanence (du travail du compositeur).


Dove Allouche - Au Soleil de la Mer Noire (Yalta): (courtesy Galerie Gaudel de Stampa)

L'absence de témoignage du sujet d'étude se trouve chez Dove Allouche qui fait le choix d'utiliser des négatifs de photographies de fonds marins, lieux plongés dans l'obscurité, ou de dessiner à la mine de plomb la surface d'une eau indistincte. Autre incertitude dans le film 16mm de Ben Rivers, court-métrage hésitant dans lequel on peine à distinguer les protagonistes, ou avec la photographie de Wolfgang Tillmans, résultat d'une saturation des noirs et blancs rendant incertaine la vision que le spectateur est censé avoir d'un glacier. Ainsi immergé dans une sorte de flou, le visiteur est encore plus troublé par les violoncellistes ambidextres mis en miroir par Annika Larsson et Augustin Maurs ou emporté par l'installation de Bertrand Lamarche (déjà vu, dans une forme un tout petit peu différente au Confort Moderne en 2011) : un cylindre métallique, éclairé par un néon, est disposé sur un disque vinyle en action et muni d'une caméra, l'écran diffuse alors cette image lumineuse tandis qu'on entend une boucle musicale correspondant à une unique rotation du disque et que de la fumée sort d'une machine idoine.


Mario García Torres - extrait de Shot of Grace with Alighiero Boetti Haircut Style (Kabul): (courtesy de l'artiste)

Seul passage musical de l'exposition, cette intervention de Lamarche saisit donc le travail du musicien (Kate Bush en l'occurrence) pour le capturer et en faire la relation. Ce souci de rémanence peut être développé par ailleurs quand des plasticiens cherchent à pérenniser la mémoire d'une personne : Joachim Koester et son film retraçant les gestes d'un anthropologue mimant les chamanes, Mario García Torres cherchant à parcourir tous les lieux où Alighiero Boetti s'est rendu, Margaret Salmon dressant le portrait d'un couple, Iñaki Bonillas de son grand-père et Ralph Eugène Meatyard de sa femme. À chaque fois, la dimension évidemment nostalgique que confère le noir et blanc des photographies ou films joue à plein.


Helen Mirra - Wolke: (courtesy Galerie Nelson-Freeman)

La rémanence peut aussi se décliner comme volonté de persistance d'un phénomène lorsque Bettina Samson expose des plans films à des rayonnements d'uranium et en expose le résultat, quand Évariste Richer recouvre un mur entier d'une analyse d'impact de grêlons ou qu'Helen Mirra réactive des couvertures d'hôpitaux militaires pour les disposer en étoile dans un geste pauvre mais soigné.

Wilfrid Almendra : Matériologique

François Bousquet — 2013-05-07T09:17:25Z

Toujours attachée aux jeunes créateurs français, la Fondation d'entreprise Ricard, au-delà de son prix annuel et de l'exposition qui l'accompagne, sait suivre les artistes qu'elle a pu, ainsi, mettre en lumière. L'invitation faite à Wilfrid Almendra s'inscrit dans cette perspective puisque le Choletais comptait parmi les sélectionnés du Prix Ricard en 2007 où il avait pu montrer une pièce mélangeant surface plane en acier et éléments colorés quasi-végétaux. Cette démarche se retrouve dans cette monographie dans laquelle il combine régulièrement ardoise, plâtre et végétations dans des œuvres imbriquant un agave dans un plan incliné (Grand Opus) ou un cyprès dans deux plans horizontaux parallèles (New Babylon. Échos évidents au mot-valise du titre de l'exposition, ces imbrications marquent par leur caractère décalé et libre, comme si le Français ne s'interdisait rien et cherchait principalement à s'amuser en associant ces matériaux.

Pour autant, au fil du parcours apparaît la volonté d'Almendra de mettre en place une matérialisation métonymique des maisons et de l'habitat en général. Ainsi peut-il solidifier, à l'aide de lambris et bétons, des plans masse d'architecte (série Killed In Action), socler des éléments de décoration comme on en trouve dans les jardins (While Waiting For The Revolution), recouvrir entièrement une pièce de pierres de lave, à la façon d'un patio chic (Ordos), ou encore réaliser des compositions à base de miroirs et verres, semblables à des vitraux (série Model Home). Tous ces composantes éclatées forment au total un ensemble qui, effectivement, parvient à figurer l'habitat tel que pourrait le faire l'architecte diplômé mais aussi comme pourrait l'envisager le bricoleur du dimanche, utilisant ce qu'il a sous la main sans véritable savoir-faire ou technicité.