EtherREAL - Magazine de musiques actuelles - électroniques, expérimentales - et de pratiques artistiques contemporaines

Jessica Bailiff : At the Down-Turned Jagged Rim of the Sky

François Bousquet — 2012-11-29T16:14:37Z

Étonnamment, ces pages avaient jusqu'à présent relaté des concerts solo de Jessica Bailiff, l'album de Clear Horizon (ce duo qu'elle forme avec Dave Pearce), voire le concert de Boduf Songs où elle officiait dans le backing band, mais jamais de disque solo de la jeune femme. À l'occasion de la publication de son cinquième album, il est donc temps de combler ce vide et de se pencher sur ce long-format pour lequel la musicienne de l'Ohio se montre à nouveau fidèle à Kranky, maison qui l'héberge depuis une quinzaine d'années.

Et précisément, cet At the Down-Turned Jagged Rim of the Sky sonne comme un retour au style musical prisé par Jessica Bailiff dans ses premières années : à la place du folk un peu hanté et à guitare acoustique qu'elle avait développé dans ses récentes parutions, c'est une musique qu'on pourrait qualifier de space-slowcore qu'elle livre ici. Sa voix est ainsi nimbée de réverbération, des boîtes à rythmes et batterie sont convoquées sur la quasi-totalité des morceaux, la basse est distordue et la guitare est dotée d'une saturation certaine. Face à une telle instrumentation et de tels effets, on ne sera guère surpris d'apprendre qu'Odd Nosdam, ce membre du collectif Anticon et pour lequel Jessica Bailiff a réalisé quelques parties vocales, a aidé à la réalisation de cet album ; la dimension sombre et un peu noisy des sonorités étant une des caractéristiques de ce musicien.

Sur la longueur d'At the Down-Turned Jagged Rim of the Sky, on peut néanmoins trouver un rien systématique la distance que prend la voix de l'États-unienne (qui disparait même à quelques endroits, derrière les instruments), avec cet invariable ajout d'écho et la présence récurrente de chœurs soulignant encore sa dimension fantomatique. Par conséquent, on obtient un ensemble pouvant donner l'impression de se complaire dans une noirceur romantico-spectrale, à l'image de la pochette ou de l'intitulé de l'album. Ceci dit, il est indéniable que le dialogue entre la voix parfois diaphane de Jessica Bailiff et les instruments opaques et tendus provoque des morceaux tout à fait saisissants (Goodnight).

Loscil : Sketches From New Brighton

François Bousquet — 2012-11-01T14:51:32Z

Avec Endless Falls, on avait pu souligner les limites de la réduction du nombre de comparses entourant Loscil et du retour du Canadien à une musique quasi-strictement ambient. Sur Sketches From New Brighton, Scott Morgan se voit entouré du fidèle Jason Zumpano, au piano sur trois morceaux, et du guitariste Shane Nelken sur deux de ces titres mais, musicalement, l'ensemble opère un retour vers les rivages ambient-dub prisés dans les premiers disques de Loscil.

Ainsi le morceau d'ouverture (Khanahmoot) met-il immédiatement en place quelques pulsations tout à fait caractéristiques tandis que Second Narrows (écho transparent à First Narrows, album de 2004 qui développait amplement cette veine musicale) travaille sur les typiques nappes dotées d'une légère réverbération, que Container Ships porte parfaitement son nom en se faisant diablement évocateur et nous permettant de nous projeter dans les fonds sous-marins (autre écho, aux deux premiers albums du Canadien cette fois-ci) ou que Prairie Trains livre quelques coups plus sourds et profonds.

Recentré de la sorte sur le style qui avait donné ses plus belles sorties au début des années 2000, Scott Morgan peut même en offrir de plus riches variations, à l'image des rythmiques superposées de Collision Of The Pacific Gatherer, que viennent agrémenter des petits cliquetis tout à fait pertinents, ou des mini-vents électroniques parsemant Fifth Anchor Span. Au total, on obtient ainsi un album fort convaincant et qui nous fait penser que cela fait bien longtemps (près de onze ans) que nous n'avons pas revu Loscil en live et que cela commence à nous manquer.

Nettle : El Resplandor : The Shining in Dubai

Fabrice Allard — 2012-08-31T12:42:22Z

Nettle est un projet mené par DJ /rupture. Initialement sous forme de duo avec le violoniste Abdelhak Rahal, le projet a pris un peu plus d'envergure et se compose actuellement de cinq musiciens auxquels se sont joint quelques invités sur ce disque. Après deux albums sortis sur theAgriculture (le label de Jace Clayton) en 2002 et 2003, Nettle revient avec un projet étonnant : composer la BO d'un remake du Shining de Stanley Kubrick dans un luxueux hôtel de Dubaï...

On se demandera finalement si tout ceci n'est pas qu'un détail. Il n'est en tout cas pas nécessaire d'avoir vu Shining pour apprécier pleinement ce nouvel et surprenant album de Nettle. Si comme nous vous connaissez DJ /rupture pour ses breakbeats et ses DJ sets breakcore, l'ouverture du disque que constitue El Resplandor risque de surprendre, simplement composée de vocalises de Lindsay Cuff que l'on retrouve un peu plus tard.
La suite n'a rien à voir, et chaque pièce est une surprise en soi. Le groupe qui s'appuie en grande partie sur une instrumentation acoustique (violon, violoncelles, guembri) joue avant tout sur la recherche, l'expérimentation et l'exploration des genres, quelque part entre folk nord africaine, néo-classique et impro bruitiste, le tout saupoudré d'effets et tonalités électroniques.

L'éclectisme est donc de rigueur dans un album qui se révèle extrêmement riche, débordant d'idées dans seulement 11 titres pour 32mn ! On passe ainsi d'une certaine liberté de forme sur Radio Flower, croisant guitare fracturée et violon grinçant, à des structures plus rigides comme sur Espina dont le jeu de violoncelle net et minimaliste nous rappelle le Kronos Quartet. L'électronique se révèle ici étonnante avec des basses de synthés rondes, presque cheap face à ces instruments acoustiques et traditionnels.
Et pourtant la formule fonctionne à merveille, avec un petit goût de nouveauté, une petite touche pétillante et excitante qui illumine ce disque. Les cordes flirtent ici avec de vieilles boites à rythme et un jeu de platine (Empty Quarters), l'humour est de rigueur sur Nakhil tandis que les expérimentations les plus difficiles se libèrent sur Simoom (Wasp Wind) avant de bifurquer vers un superbe jeu de boucles vocales psychédéliques.

On terminera cette chronique avec les cordes graves et délicates de Shining One, musique de film néoclassique accompagnée d'une basse doom et d'orgues soyeux. Improbable. Une superbe découverte, une richesse inouïe, et plusieurs fois le nom de Leafcutter John qui nous vient à l'esprit.

Voir en ligne : 3 titres complets (flash)

Felix : Oh Holy Molar

François Bousquet — 2012-07-12T11:57:53Z

Passée l'épreuve du premier album, voici que Felix passe à celle du second long-format, exercice tout aussi délicat à appréhender, surtout quand il vient après un disque qui nous avait tout à fait convaincus. Dans ces deux ans et demi d'intervalle, la formation anglaise s'est encore étoffée : projet solo de Lucinda Chua initialement, Felix était devenu un duo en 2009, c'est à présent un trio puisqu'un batteur a intégré à plein temps le groupe. Musicalement, cela s'en ressent évidemment sur un Oh Holy Molar qui, comme son prédécesseur est constitué de pièces plutôt courtes (trois minutes de moyenne). De fait, les interventions de Neil Turpin structurent encore davantage les morceaux du groupe tandis que la voix de la jeune femme paraît plus assurée, plus confiante dans ses capacités au chant, ne conservant son parlé-chanté que sur les couplets.

Le dépouillement de l'ensemble (batterie souvent aux balais, jeu de guitare délicat, piano tout juste touché), en plus de s'accorder impeccablement avec le timbre de la Britannique, permet de se pencher sur les textes des chansons, récits du quotidien ou portraits de garçons et filles ; soit, encore une fois, quelque chose d'accessible, au diapason de la musique. Fort heureusement, les Anglais ne se limitent pas à cet assortiment dénudé et savent, par endroits, appuyer un peu plus le propos, quand Chris Summerlin pare sa guitare d'aspects plus saturés (Oh Thee 73) ou que le jeu de clavier de Lucinda Chua se fait plus appuyé.

Avec ce nouvel album, Felix confirme donc sans peine tous les qualificatifs que nous avions adressés au groupe lors du précédent disque. Espérons maintenant que la formation bénéficie d'une reconnaissance un peu plus large qui pourrait la conduire, éternelle antienne, à visiter les salles de l'Europe continentale.

Espen Eriksen Trio : What Took You So Long

François Bousquet — 2012-07-06T11:44:35Z

Deux ans après son premier et convaincant album, Espen Eriksen Trio revient avec un nouveau long-format, développant toujours le même schéma piano-contrebasse-batterie pour un jazz suave et ample. Comme sur You Had Me At Goodbye, le sentiment de reconnaître immédiatement les lignes de piano se fait jour (All Good Things) et le canevas traditionnel de ce style musical se trouve suivi à la lettre par les Norvégiens : mise en place du thème principal dans les quinze premières secondes, répétition une deuxième fois de celui-ci, puis passages plus improvisés avant de revenir régulièrement au thème.

Au gré des titres, on retrouvera naturellement des interventions plus ou moins enflammées du piano d'Espen Eriksen (On The Sea). Peu de surprises donc à l'écoute de ce What Took You So Long qui contient même deux pistes sur lesquelles le trio se livre à un exercice également très couru : la reprise de tubes pop en version jazz. Ici, ce sont We Don't Need Another Hero de Tina Turner et Could It Be Magic de Donna Summer qui sont réinterprétés dans un dénuement bien loin des versions initiales. Cette présence de morceaux archi-connus semble même infuser l'ensemble de l'album puisque la suite de notes du thème de Komeda nous paraît découler de celui de We Don't Need Another Hero.

Dans ce contexte un peu standardisé, on ne sait trop s'il faut saluer comme une bonne ou mauvaise chose la présence indiscontinue du piano et l'absence subséquente de soli de contrebasse ou de batterie qu'auraient pu nous offrir Lars Tormod Jenset ou Andreas Bye. En toute hypothèse, les quarante-deux minutes du disque s'avèrent tout à fait probantes pour qui souhaite avoir un aperçu sobre et pertinent de ce que peut faire aujourd'hui un trio jazz.

Lotus Plaza : Spooky Action At A Distance

François Bousquet — 2012-06-22T12:23:01Z

Second album pour Lotus Plaza, toujours sur Kranky et toujours avec un pas de côté par rapport à ce que le musicien peut proposer au sein de Deerhunter. De surcroît, alors qu'on se souvenait de son concert parisien il y a deux ans et demi, dans lequel il avait opté pour une approche entre ambient et électronique, Lockett Pundt livre, avec ce Spooky Action At A Distance quelque chose de nettement plus orienté indie rock. Ainsi, refrains emballants, guitare électrique claire et batterie enlevée participent à la mise en place de titres enthousiasmants (Strangers).

Au gré des dix morceaux du disque, les six-cordes de l'États-unien peuvent se faire plus ou moins électriques et saturées, mais toujours présentes, permettant de donner corps et allant à des titres dont les qualités mélodiques se font, en outre, tout à fait certaines (Monoliths, Eveningness). Sur la durée de l'album, l'ambition se montre peut-être un peu trop limitée à ce souci de trousser des morceaux bien fichus et entraînants, mais ce n'est déjà pas si simple d'y arriver et, à cette aune, Lotus Plaza réussit son pari.

Mirrorring : Foreign Body

François Bousquet — 2012-06-10T12:02:21Z

Si on ne peut rendre compte des nombreuses sorties que Grouper propose chaque année, on ne saurait passer sous silence le projet qu'elle a mis sur pied avec Tiny Vipers. Cette conjonction du travail de deux États-uniennes, la première plutôt portée sur l'ambient et le folk spectral, la seconde davantage sur une americana traditionnelle, trouve logiquement place sur Kranky qui constitue, en vérité, le label idoine pour accueillir ce premier album de Mirrorring.

À la différence de plusieurs disques participatifs récemment évoqués, celui-ci a été enregistré en la présence commune de Liz Harris et Jesy Fortino, au cours d'une session déroulée à Portland pendant laquelle les deux jeunes femmes ont pu croiser leurs aspirations. Ainsi trouve-t-on sur chacun des titres un chant principal, affirmé ou embué, des vocalises de l'autre participante, une guitare, acoustique et directe ou diluée au milieu de nappes, et quelques textures d'arrière-plan. L'agrégat compose une forme de space-folk, sachant habilement à la fois prendre son temps pour véritablement infuser (près de sept minutes de moyenne par titre) et ne pas verser dans quelque chose de trop torturé grâce, notamment, aux morceaux où les composants se voient moins traités et plus francs (Silent From Above).

Par endroits, on pourrait trouver que Mirrorring force un peu l'aspect évanescent de sa musique et se fait alors presqu'insaisissable (Drowning The Call) mais cela fait clairement partie du postulat de départ d'un duo qui sait indéniablement offrir de très beaux titres, aux circonvolutions ourlées, faites de petites notes de guitare électrique et de souffle opaque (Mine). Espérons donc, parvenus au terme de ce premier effort, qu'il ne restera pas un coup isolé.

Winter Family : Red Sugar

Fabrice Allard — 2012-06-04T10:14:13Z

Six ans que l'on suit le travail de Winter Family, mais première chronique d'un disque, leur second après un double éponyme déjà publié chez Sub Rosa. Le duo a beaucoup de choses à dire et nous propose une fois encore un disque dense avec 70mn de piano et harmonium habillant les spoken words de Ruth Rosenthal.

Si dans le privé Winter Family a connu l'arrivée d'une petite fille (que l'on devine balbutier en intro de l'étonnamment apaisé Come), d'un point de vu strictement musical cette formation se présente toujours sous forme d'un duo composé de Ruth Rosenthal et Xavier Klaine auxquels se sont joints quelques amis comme Norsola Johnson (Godspeed You ! Black Emperor) au violoncelle ou Olivier Demeaux (Cheveu) à l'orgue.
Pour nombre de formations, disque et scène sont l'occasion de proposer des versions qui peuvent s'avérer très différentes. Au contraire, à l'écoute de Red Sugar nous avons l'impression de réécouter l'un des concerts de Winter Family, avec notamment de nombreux morceaux que le duo jouait déjà sur scène en 2009. L'univers extrêmement dépouillé du groupe y est certainement pour beaucoup : un piano, des drones d'harmonium, quelques grelots et clochettes, et la voix de Ruth qui bénéficie d'un travail plus subtil sur disque, manipulée par des effets lui donnant un style lo-fi (Red Sugar) ou se produisant en duo sur Come et DeadEnd.

Mais malgré quelques passages un peu plus apaisés, Winter Family se nourrit toujours d'un constat amer sur la nature humaine et nous livre des textes emprunts de mysticisme, de guerre (allusion au débarquement en Normandie sur Omaha, sirène d'alarme sur Tea and Lies With Theodor), de politique (intégration de l'enregistrement d'un discours dans le cadre d'un meeting sur Dancing in the Sun), voire d'écologie, en s'appuyant bien souvent sur des souvenirs, des peurs d'enfance (Dancing in the Sun), et sur la nostalgie d'un monde meilleur.
Extrêmement poétiques, les textes restent généralement au niveau de la suggestion, de l'image, d'une anecdote qui s'inscrit dans un cadre difficile. C'est donc la musique qui vient appuyer le propos, entre piano timide pour l'apaisement (Shooting Stars) et drones nasillards, emportement du tempo afin de traduire noirceur, violence et chaos (Dancing In the Sun). Parfois Ruth Rosenthal image ses textes en les ponctuant de cris puissants ou en imitant tirs et explosions sur Omaha, un classique des concerts du duo.

On aimait beaucoup Winter Family en concert, on n'est donc pas déçu par l'album qui retranscrit avec fidélité l'univers musical du duo franco-israélien.

Voir en ligne : 3 extraits (Flash)

Astrïd : High Blues

François Bousquet — 2012-05-23T12:48:55Z

Premier groupe français à sortir un album sur Rune Grammofon, Astrïd se devait d'être évoqué comme tel en ces pages, qui n'ont pour l'instant mentionné la formation qu'à l'occasion de concert ou participation à une compilation. Précisément, cet High Blues, troisième long-format du quatuor (formé autour de Cyril Secq et Yvan Ros), propose des titres dont certains ont déjà pu être trouvé sur des disques collectifs (deux sur cinq, pour être précis), générant pour l'auditeur une impression de familiarité immédiate.

De toute façon, avec le long morceau-titre qui ouvre l'album, on peut tout de suite saisir le propos de groupe : des instrumentaux conséquents, partagés entre post-rock et musique contemporaine, pas forcément portés sur une dimension contemplative ou évocatrice (comme tant de leurs congénères) mais plutôt sur la manière dont les éléments combinent entre eux, au gré des entrées et sorties de la guitare électrique, de la batterie, de la clarinette de Guillaume Wickel ou du violon de Vanina Andreani. Volontiers grinçants, à la limite de la malaisance, ces derniers apparaissent ainsi comme d'impeccables contrepoints des volutes plus amples et réverbérées de la six-cordes ou de l'aspect enveloppant de la basse. Ainsi donc, les vingt-et-une minutes d'High Blues permettent de parfaitement débuter le disque, posant les fondements d'une écriture riche et dense. Fondements que pourra reprendre, plus loin, Suite et ses frappes régulières de batterie, supports idéaux aux improvisations de guitare électrique, là encore marquantes par leur rondeur.

Hommage transparent à Satie (puisqu'initialement présent sur la compilation ad hoc d'Arbouse Recordings), Erik S. se fait plus dépouillé et plus proche d'une forme de post-folk, travaillant notamment, comme le compositeur, sur les silences entre les notes. Même dénuement dans James avec les côtés hispanisants (le son de la guitare, les razguendos, les tonalités d'ensemble) d'un titre qui peut paraître un peu vain dans son début avant de prendre davantage de corps lorsque la clarinette rentre en jeu. Même sentiment légèrement ambivalent avec Bysimh, peut-être en raison de la dimension plus « acoustisante » de la six-cordes ; ceci dit, une nouvelle fois, l'introduction des autres instruments apporte coffre et compacité au morceau.

En définitive, c'est vraiment lorsque la guitare opère dans un registre plus post-rock alangui, et/ou que tous les membres du quatuor sont sollicités qu'Astrïd nous semble le plus convaincant. En quelque sorte, quand le groupe sonne véritablement comme un groupe ; quoi de plus logique, en somme.

Windy & Carl : We Will Always Be

François Bousquet — 2012-04-13T12:45:38Z

Bien qu'actifs depuis une petite vingtaine d'années, ce n'est que la première fois que ces pages recensent un album de Windy & Carl. L'occasion de la parution de leur quatrième long-format sur Kranky permet donc de se pencher sur le duo du Michigan, adepte d'un post-rock fait de nappes de guitares, parfois saupoudrées d'interventions vocales de Windy Weber. Structurellement, We Will Always Be surprend avec son alternance de courts morceaux (moins de quatre minutes), dans lesquels la guitare est plus identifiable (acoustique dans For Rosa, électrique et scintillante dans The Frost In Winter) et le chant parfois présent, et de longues plages (allant jusqu'à dix-neuf minutes) dans lesquelles les États-uniens travaillent sur la durée et font évoluer de manière assez minimales leurs textures.

Principalement porté sur la conjonction de guitares et synthés, le duo peut également convoquer une basse chargée d'apporter, avec ses appuis plus marqués, un contrepoint aux notes tenues des autres instruments (Nature Of Memory). Sur ce même titre, Windy Weber se livre à un parlé-chanté placé dans le lointain qui, du coup, ne parvient peut-être pas à produire tout l'effet escompté ; à la différence des slides de guitare en trémolo de The Smell Of Old Books et Fainting In The Presence Of The Lord, pleinement prenants. C'est à ces moments-là que l'on apprécie tout particulièrement le travail de Carl Hultgren, capable de transporter l'auditeur dans un abîme profond et captivant.