EtherREAL - Magazine de musiques actuelles - électroniques, expérimentales - et de pratiques artistiques contemporaines

Soto

François Bousquet — 2013-05-19T11:53:25Z

Désireux de travailler en commun avec le Palais de Tokyo, qui présente en ce moment une monographie de Julio Le Parc sur laquelle on vient de s'arrêter, le Centre Pompidou consacre sa Galerie du Musée à Jesús Rafael Soto, autre figure de l'art cinétique. Vénézuélien d'origine, installé en France avant de décéder en 2005, Soto voit ses héritiers proposer en dation une vingtaine d'œuvres au Musée d'art moderne. C'est à partir de ces créations que le lieu parisien concocte cette mini-rétrospective qui permet de parcourir l'intégralité du travail de l'artiste, des peintures aux installations volumétriques.


Spirale: (courtesy Centre Pompidou)

En admirateur des maitres de l'abstraction que furent Malevitch et Mondrian, Soto produit des réalisations très épurées, marquées par un fort aspect vibratoire ; ainsi, lignes et fines rayures noires et blanches superposées favorisent la sensation d'une forme d'ondulation de ses œuvres. Plus encore, la Spirale, une des premières pièces de l'artiste (1955), prend une dimension vertigineuse en cumulant trois dimensions : peinture sur bois à l'arrière-plan, peinture sur plexiglas au premier plan et ombre portée de l'avant vers l'arrière des cercles. Avec cette conjonction, de simples cercles concentriques superposés peuvent effectivement figurer une spirale infinie et jouer alors sur la perception du spectateur, à la fois trompé par l'œuvre et emporté par elle. Le jeu sur la perspective sera encore plus poussé dans les années 1980 quand Soto combina carrés de peinture plus ou moins éloignés de la toile, comme s'ils étaient en mouvement, avançant et reculant, cherchant presqu'à s'échapper du châssis (Senegalés).


Cube Pénétrable: (courtesy Centre Pompidou)

Largement mis à contribution, le public est même invité à participer aux volumes suspendus, à entrer littéralement dans cet amas de tiges pendues au plafond et, par conséquent, à faire véritablement vibrer les œuvres de la série des Pénétrables (mécanisme particulièrement goûté par les nombreux enfants présents dans l'exposition). Au milieu de celles-ci, les tiges se révèlent être d'une couleur différente, générant une mise en abyme puisqu'au sein du cube se trouve un cube interne, technique également reproduite dans des créations où des fils de nylon horizontaux sont colorés d'une autre teinte que les lignes de la toile derrière eux.


Extension: (courtesy Centre Pompidou)

Si les autres expérimentations de Soto s'avèrent moins pertinentes (Sans Titre (Leño Viejo) et son travail sur morceau de bois ou sa Vibration Jaune dans laquelle la couleur est amplement mise à contribution), on reste ébahi devant la capacité vibratoire de quelques pièces comme cette Extension, ensemble de tiges de métal peintes sur un plan carré (4m x 3m) de formica.

Daniel Dewar & Grégory Gicquel : Jus d'Orange

François Bousquet — 2013-05-16T16:23:31Z

Lauréats du Prix Marcel-Duchamp en octobre dernier, Daniel Dewar & Grégory Gicquel vont être amenés à exposer au Centre Pompidou à l'automne prochain. Dans l'intervalle, c'est le Palais de Tokyo qui consacre au duo l'un de ses espaces (la galerie basse, dans les sous-sols du lieu qu'on commence à apprivoiser, grâce à une signalétique plus accessible, notamment par un fléchage au sol pointant vers chaque exposition). Courte proposition (deux pièces seulement), qu'il faudra peut-être, dans quelques mois, considérer comme un prélude à celle de l'Espace 315, Jus d'Orange voit les Français renouer avec leurs matériaux traditionnels.


Mixed Ceramics: (courtesy Galerie Lövenbruck)

En effet, on retrouve ce goût pour la sculpture, dans chacune des deux salles, conjugué à une double posture duchampienne dans la première. Ensemble de céramiques, Mixed Ceramics reproduit, d'une part, à l'échelle 1 des éléments de salle de bain (lavabo, évier, cuvette de sanitaires) et convoque, d'autre part, des process industriels dans une perspective artistique.


GIFS animés (extrait): (courtesy Galerie Lövenbruck)

Dans la lignée du Carl Cox statufié qu'on a déjà vu à plusieurs reprises, Dewar & Gicquel ont réalisé d'autres sculptures en argile dans la forêt, installant leurs personnages et animaux ainsi créés sur une souche d'arbre ou un monticule terreux. Les capturant en photos dans diverses positions ou à divers stades de leur fabrication, les Parisiens constituent ensuite des GIFS animés diffusés grâce à des projecteurs vidéos. Cette animation permet de donner vie à ces sculptures, dans un mouvement amusant et réaliste (Le Menuet, Motorcyclist) ou plus chimérique (Ram et sa multiplication des têtes de bélier). Le procédé un peu rudimentaire du GIF animé, montage haché et digne des premières heures d'internet, constitue alors un malicieux écho aux créations en grès ou argile.

François Curlet : Fugu

François Bousquet — 2013-05-15T19:23:16Z

Le détournement d'objets est un procédé extrêmement couru chez les plasticiens contemporains, qu'il s'agisse de mettre en place un ready-made ou d'opérer dans une forme ironique. Spécialiste de ce type d'approche, François Curlet la convoque majoritairement dans la monographie que lui consacre le Palais de Tokyo dans l'un des espaces du sous-sol, ensemble de belle taille et permettant d'appréhender correctement le travail du Français exilé à Bruxelles depuis quelques années.

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Vue de l'exposition

De fait, il s'agit pour Curlet de partir de signes de notre quotidien ou de notre patrimoine culturel pour les façonner à son gré : panneau de signalisation « walk/don't walk » qui devient Moon Walk, scénario storyboardé puis filmé intitulé Jonathan Livingston et fondé sur le film Harold et Maude, cube des minimalistes états-uniens auquel il adjoint une petite antenne surgissant de temps en temps (American Dino - Œuf de Voiture). Au-delà de cette méthode, le Français opère également par transformation ou reconfection artisanale d'un objet préexistant. Ainsi peut-il adjoindre deux verres déformants à sa Vitrine, armoire vitrée, réaliser un Moteur en osier, fabriquer un logo Leader Price à base de dessus de tables en formica ou produire une Djellaba Adidas, croisement entre le vêtement traditionnel et la marque aux trois bandes.


Rorschach Saloon: (courtesy Galerie Air de Paris)

Décalé, ce geste dit le recul avec lequel François Curlet envisage le monde qui l'entoure, recul qu'on peut retrouver dans la fascination développée pour la mort et les œuvres-tombeaux. Une Jaguar reconvertie en corbillard accueille, par exemple, le spectateur à l'entrée de l'exposition, un poste de télévision façon pierre tombale en granit et marbre trône au centre de la première pièce, une installation se veut évocation de l'appartement du Paster Pandy, serial killer bruxellois et on peut même raccrocher à cette thématique le Bunker pour six œufs en béton, à la fois coque de protection renforcée mais aussi forme de crypte mortuaire. Pour quitter l'univers de Curlet et retourner dans le monde « normal », le plasticien nous invite à passer dans le Rorschach Saloon, sas de décompression dans lequel les célèbres taches recouvrent les murs tandis que vodka et whisky sont proposés au visiteur pour ouvrir un peu plus ses sens.

Sous Influences

François Bousquet — 2013-05-14T10:19:47Z

Toujours intéressée par les mediums (on se souvient de l'exposition consacrée aux rencontres entre BD et art contemporain, ainsi qu'à celle sur les néons) comme à la manière dont ils sont créés, la Maison Rouge s'attache à présent à la relation entre artistes et psychotropes, sous-titre de Sous Influences, présentation collective (très collective même puisqu'on y trouve presque 100 créateurs).

Sans réelle surprise, sinon celle d'être face à des pièces du XIXe et de la première moitié du XXe siècle, chose pas si fréquente en ce lieu, on va croiser les grands auteurs des deux siècles précédents qui ont utilisé diverses drogues comme aide à la création : Artaud, Cocteau, Baudelaire, Michaux. Les œuvres alors exposées oscillent entre le génial (au sens d'émanation d'un génie artistique) et le délire sans autre portée que celle de témoigner de la prise de substances. Dans la même perspective, d'autres pièces nous montrent les effets de l'injection de psychotropes sur des artistes plus contemporains : quelques-uns de 9 000 autoportraits réalisés par Bryan Lewis Saunders alors qu'il était sous l'emprise de drogues, dessin de Jean-Michel Basquiat probablement tracé sous héroïne, collages de Jean-Jacques Lebel après absorption de peyotl, planches dessinées par John Batanne sous psychotropes, expérience de Francis Alÿs cherchant à se perdre dans Copenhague alors qu'il était drogué, vidéo dans laquelle Rodney Graham se montre lui-même en pyjama à l'arrière d'une voiture sous hypnotique.

Alors que toutes ces propositions pouvaient se montrer, pour quelques observateurs et visiteurs, un rien complaisantes, elles sont contrebalancées par des salles s'attachant aux effets néfastes de ces différentes substances : guerre liée au narcotrafic (documentaire de Gianfranco Rosi - déjà vu l'an passé au Musée d'art moderne de la Ville de Paris dans le cadre de l'exposition consacrée aux artistes mexicains), bas-relief d'Hervé Di Rosa), actualités dramatiques diverses (travail sur les « unes » du Monde par Jean-Baptiste Audat qui a caviardé toute information non relative aux drogues) et surtout ravages sur les corps. Les photographies de Larry Clark (un extrait de la fameuse série Tulsa), Alberto García-Alix et Antoine d'Agata optent ainsi pour une approche quasi-documentaire qui ne revêt rien d'esthétisant, à la différence de celles de Nan Goldin qu'on trouve plus loin.


François Curlet - Triple Notre Dame: (courtesy Galerie Air de Paris)

Pour alléger un peu le propos (et affirmer que toutes les drogues ne se valent pas ?), le commissaire et médecin spécialiste des addictions Antoine Perpère a disposé quelques œuvres ayant trait à l'alcool autour du patio, en pleine lumière et face au restaurant. François Curlet peut ainsi livrer un dessin mural humoristique (un Parisien ivre voit trois tours à Notre-Dame), Jeanne Susplugas un aphorisme décalé (L'aspirine, c'est le champagne du matin), Robert Filliou montre une bouteille de vin aspirant à devenir bouteille de lait et Esther Ferrer trace un parallèle entre couleur d'alcool et classes sociales françaises. Également plus inoffensifs en apparence (au reste, ils sont placés en face du I wanna be well écrit au néon par Claude Lévêque), plusieurs champignons hallucinogènes forment un ensemble dans lequel on retrouve des créations de Philippe Mayaux, Peter Fischli et David Weiss (deux photographies concoctées avec leur technique de superposition de deux images), Takashi Murakami et Carsten Höller.


Raymond Hains - American Express: (collection Leïla Voight)

Au-delà de ces développements, on attendait aussi de l'exposition, à la lecture des documents qui l'accompagnent, qu'elle essaye de nous faire ressentir la prise de psychotropes. Certaines pièces s'y hasardent mais, malheureusement, elles sont dépourvues d'effet, soit délibérément (l'étoile en résine de cannabis d'Adel Abdessemed a perdu toute nocivité, l'herbier d'herman de vries n'est en réalité qu'un catalogue des plantes qu'il a lui-même ingérées), soit en raison d'un accrochage annihilateur (les murs du Swinging Corridor de Carsten Höller ne peuvent bouger s'ils touchent le sol au lieu d'être uniquement pendus au plafond). Demeurent cependant quatre œuvres qui parviennent à cet objectif : l'American Express de Raymond Hains (vue à travers des lunettes aux verres cannelés, comme si on était ivre), une installation de Yayoi Kusama (cube de miroirs, sol rouge à gros pois, formes type ballons géants dans les mêmes motifs), conférence filmée de Gary Hill sur le LSD (texte et mouvements ont été interprétés à l'envers, puis la vidéo a été remise dans l'autre sens) et film de Ben Russell, malicieusement installé dans un cube noir parcouru d'une frise-miroir, qui nous transporte effectivement dans l'état souhaité, en nous montrant les visions d'une jeune femme sous LSD.

Julio Le Parc

François Bousquet — 2013-05-13T13:14:49Z

De Julio Le Parc, on avait le souvenir d'installations magistrales dans l'exposition Erre du Centre Pompidou-Metz, ainsi que quelques pièces d'un plus petit format vues en galerie. Pour compléter notre connaissance du plasticien argentin, le Palais de Tokyo lui consacre une grande monographie, s'étalant sur la quasi-totalité du niveau 2, à l'endroit principal du bâtiment ancienne mouture. Passés les avertissements placardés à l'entrée de l'exposition (que les épileptiques prennent garde aux clignotements ! que les enfants ne se perdent pas dans les espaces obscurs !), le public peut pénétrer, au sens premier, dans cette suite de petites salles où il s'agit de frayer un chemin et de grands espaces dans lesquels les œuvres de Julio Le Parc sont disposées en majesté.

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Vue de l'exposition

Sculpter la lumière constitue alors comme une des préoccupations majeures de l'artiste, avec ses compositions par lesquelles il va imposer aux faisceaux lumineux une trajectoire donnée, les enserrer dans des dispositifs favorisant leur réflexion sur des petites plaques d'acier ou sur des miroirs. Tentant ainsi de faire apparaître ce qui, normalement, ne peut être véritablement matérialisé, l'Argentin approche une forme de mysticisme ludique où le spectateur est pleinement acteur de l'exposition. Moduler cet espace de monstration en sollicitant le visiteur est également une volonté de Le Parc, le mettant à contribution en contraignant son déplacement (à plusieurs reprises, il faut avancer parmi de larges lamelles accrochées au plafond et obstruant le passage). Rapidement désorienté au milieu de ces labyrinthes d'acier ou de tissu, le public se voit ainsi proposer une approche sensorielle et immersive des œuvres, l'exposition poussant même cette logique participative jusqu'à offrir, à la toute fin, une salle de jeux pour essayer les expérimentations de Julio Le Parc.

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Vue de l'exposition

Très prisée des familles et enfants, la monographie conjugue à la fois cette dimension ludique et des réflexions poussées sur le mouvement et la perception : dans chacune des pièces mobiles du créateur, on est conduit à se demander qu'est-ce qui bouge. Sont-ce le support, la surface ou bien les composantes matérielles mises dessus ? Captivé par ces jeux d'optique, le spectateur peut choisir de rester dans l'ignorance, juste hypnotisé par l'utilisation du noir et blanc, du plat et du relief, des miroirs et des peintures, ou alors se rapprocher des créations et tenter d'en percer le mystère.

Si la bichromie noir/blanc est majoritairement utilisée par Julio Le Parc, il sait aussi faire palpiter la couleur qui émerge derrière un disque noir, telle une explosion solaire surgissant derrière un astre sombre. Cette couleur qu'il peut également faire éclater dans quelques compositions très chamarrées, pas forcément aussi convaincantes que le reste de ses travaux mais qui ont le mérite de prouver qu'il peut intervenir dans d'autres champs que le strict Op Art. Pour autant, c'est bien ce domaine qui constitue le fort de cette belle et foisonnante monographie.

Paint It Black

François Bousquet — 2013-05-10T11:15:33Z

Comme il le fait régulièrement (on se souvient de Prospective XXIe siècle, regroupement montré il y a deux ans), le FRAC Île-de-France réunit quelques-unes des œuvres récemment acquises et les expose au Plateau dans une exposition collective. Pour cette présentation, Xavier Franceschi, directeur du lieu et commissaire, a retenu des œuvres en noir et blanc et les a regroupées sous l'intitulé Paint It Black, sans qu'on sache très bien, à l'image de l'œuf et de la poule, s'il s'est aperçu que les dernières acquisitions étaient en noir et blanc et a alors décidé de constituer cette exposition ou bien s'il a d'abord eu cette idée et a alors choisi, dans le fond, des créations travaillant autour de cette bichromie.

Quoiqu'il en soit, l'espace (lui aussi paré alternativement, suivant les salles, de noir et blanc) présente donc une vingtaine d'artistes et, pour donner une cohérence à un ensemble forcément un peu disparate, propose comme fil rouge des partitions musicales. Objets noir (les lignes de la portée, les notes) et blanc (la feuille), les partitions sont encadrées et accrochées mais jamais la traduction musicale n'en est donnée. Évidente quand il s'agit de l'exercice de Pierre Huyghe autour du 4'33'' de John Cage, cette démarche l'est moins pour les pièces de Nina Canell, Olaf Nicolai ou du duo Annika Larsson et Augustin Maurs. Cette forme de paradoxe peut néanmoins servir de grille de lecture pour la totalité de Paint It Black, exposition qui, en dépit de son titre, joue sur l'absence (de musique) et la rémanence (du travail du compositeur).


Dove Allouche - Au Soleil de la Mer Noire (Yalta): (courtesy Galerie Gaudel de Stampa)

L'absence de témoignage du sujet d'étude se trouve chez Dove Allouche qui fait le choix d'utiliser des négatifs de photographies de fonds marins, lieux plongés dans l'obscurité, ou de dessiner à la mine de plomb la surface d'une eau indistincte. Autre incertitude dans le film 16mm de Ben Rivers, court-métrage hésitant dans lequel on peine à distinguer les protagonistes, ou avec la photographie de Wolfgang Tillmans, résultat d'une saturation des noirs et blancs rendant incertaine la vision que le spectateur est censé avoir d'un glacier. Ainsi immergé dans une sorte de flou, le visiteur est encore plus troublé par les violoncellistes ambidextres mis en miroir par Annika Larsson et Augustin Maurs ou emporté par l'installation de Bertrand Lamarche (déjà vu, dans une forme un tout petit peu différente au Confort Moderne en 2011) : un cylindre métallique, éclairé par un néon, est disposé sur un disque vinyle en action et muni d'une caméra, l'écran diffuse alors cette image lumineuse tandis qu'on entend une boucle musicale correspondant à une unique rotation du disque et que de la fumée sort d'une machine idoine.


Mario García Torres - extrait de Shot of Grace with Alighiero Boetti Haircut Style (Kabul): (courtesy de l'artiste)

Seul passage musical de l'exposition, cette intervention de Lamarche saisit donc le travail du musicien (Kate Bush en l'occurrence) pour le capturer et en faire la relation. Ce souci de rémanence peut être développé par ailleurs quand des plasticiens cherchent à pérenniser la mémoire d'une personne : Joachim Koester et son film retraçant les gestes d'un anthropologue mimant les chamanes, Mario García Torres cherchant à parcourir tous les lieux où Alighiero Boetti s'est rendu, Margaret Salmon dressant le portrait d'un couple, Iñaki Bonillas de son grand-père et Ralph Eugène Meatyard de sa femme. À chaque fois, la dimension évidemment nostalgique que confère le noir et blanc des photographies ou films joue à plein.


Helen Mirra - Wolke: (courtesy Galerie Nelson-Freeman)

La rémanence peut aussi se décliner comme volonté de persistance d'un phénomène lorsque Bettina Samson expose des plans films à des rayonnements d'uranium et en expose le résultat, quand Évariste Richer recouvre un mur entier d'une analyse d'impact de grêlons ou qu'Helen Mirra réactive des couvertures d'hôpitaux militaires pour les disposer en étoile dans un geste pauvre mais soigné.

Wilfrid Almendra : Matériologique

François Bousquet — 2013-05-07T09:17:25Z

Toujours attachée aux jeunes créateurs français, la Fondation d'entreprise Ricard, au-delà de son prix annuel et de l'exposition qui l'accompagne, sait suivre les artistes qu'elle a pu, ainsi, mettre en lumière. L'invitation faite à Wilfrid Almendra s'inscrit dans cette perspective puisque le Choletais comptait parmi les sélectionnés du Prix Ricard en 2007 où il avait pu montrer une pièce mélangeant surface plane en acier et éléments colorés quasi-végétaux. Cette démarche se retrouve dans cette monographie dans laquelle il combine régulièrement ardoise, plâtre et végétations dans des œuvres imbriquant un agave dans un plan incliné (Grand Opus) ou un cyprès dans deux plans horizontaux parallèles (New Babylon. Échos évidents au mot-valise du titre de l'exposition, ces imbrications marquent par leur caractère décalé et libre, comme si le Français ne s'interdisait rien et cherchait principalement à s'amuser en associant ces matériaux.

Pour autant, au fil du parcours apparaît la volonté d'Almendra de mettre en place une matérialisation métonymique des maisons et de l'habitat en général. Ainsi peut-il solidifier, à l'aide de lambris et bétons, des plans masse d'architecte (série Killed In Action), socler des éléments de décoration comme on en trouve dans les jardins (While Waiting For The Revolution), recouvrir entièrement une pièce de pierres de lave, à la façon d'un patio chic (Ordos), ou encore réaliser des compositions à base de miroirs et verres, semblables à des vitraux (série Model Home). Tous ces composantes éclatées forment au total un ensemble qui, effectivement, parvient à figurer l'habitat tel que pourrait le faire l'architecte diplômé mais aussi comme pourrait l'envisager le bricoleur du dimanche, utilisant ce qu'il a sous la main sans véritable savoir-faire ou technicité.

Correspondances

François Bousquet — 2013-05-04T18:20:16Z

Il y a quelques semaines, ces pages évoquaient L'Apparition des Images, proposition qui partait de l'idée qu'à l'époque où la photographie numérique semble monopolistique, la photographie argentique continue de fasciner. On pourrait reprendre ce schéma pour Correspondances, exposition collective programmée par l'Espace culturel Louis Vuitton et attachée au mail art, cette mouvance née dans les années 1950 qui perdure encore aujourd'hui, nonobstant la dématérialisation des échanges (courriels, SMS, tweets…).


Eleanor Antin - 100 Boots in the Market: (courtesy Ronald Feldman Fine Arts, New York)

Le mail art consiste en l'utilisation du courrier postal, des enveloppes, des timbres et flammes comme support artistique, voire comme composante même de la création. Apportant une large dimension participative puisque l'expéditeur, comme le destinataire, font partie intégrante de l'œuvre (mécanisme qu'éprouve, par exemple, Vittorio Santoro quand il demande à plusieurs connaissances de lui envoyer une lettre avec la simple phrase « Silence Destroys Consequences » écrite à la main), ce dispositif permet également aux plasticiens de s'extraire des contraintes lourdes de production afin de proposer des œuvres plus légères dans leur conception. Ainsi en est-il du travail de Roy Johnson, pionnier du genre, dont sont présentées plusieurs dizaines de courriers envoyés à des amis et sur lesquels il avait réalisé dessins ou collages. De même, Jan Dibbets et Alighiero Boetti ont envoyé, pendant un séjour respectivement au Canada et en Afghanistan, plusieurs lettres ou cartes postales, ici exposées, tandis qu'Eleanor Antin se sert de cartes postales pour diffuser les photos drolatiques de sa série 100 Boots (natures mortes dans lesquelles 50 paires de bottes sont mises en situation : à l'usine, à la campagne, dans un parc…).


Walead Beshty - Fedex Sculptures (extrait): (courtesy Wallspace Gallery, New York)

Parfois, à l'inverse, la dimension postale prend une tournure beaucoup plus massive comme lorsque Walead Beshty fait expédier vers le lieu d'exposition des cubes de cuivre poli, sans les envelopper, ni les protéger ; arrivant revêtus des autocollants et tampons postaux, ils sont également soumis aux aléas du transport (choc, rayures, etc…). Même volonté de saisir le résultat d'un envoi postal chez Eugenio Dittborn qui envoie ses grandes peintures dans des enveloppes, postulant que les marques de pliures forment un matériau créatif supplémentaire. Autre attachement au « para-postal » avec Guillaume Leblon qui reproduit des fragments de porte de maisons londoniennes, agrémentées chacune d'une fente pour permettre la distribution du courrier.

Enfin, dans une démarche plus littéraire, Danh Võ a demandé à son père de réécrire la dernière lettre d'un missionnaire français vivant au Vietnam et condamné à mort, pendant que Clarisse Hahn mêle images filmées du désert mexicain et correspondance postale avec Thomas Clerc, directement projetée, tels des sous-titres, sur sa vidéo.

Antoine Dorotte : Forte taille en eau douce

François Bousquet — 2013-04-09T11:56:24Z

Après avoir été repéré (et notamment sur ces pages) dans les manifestations où se découvrent les jeunes artistes (Salon de Montrouge, exposition Dynasty au Palais de Tokyo et Musée d'art moderne de la Ville de Paris, quelques biennales), le temps est venu pour Antoine Dorotte de bénéficier d'une visibilité dans des institutions publiques. Ainsi le verra-t-on prochainement intervenir aux Champs libres de Rennes, puis au FRAC Aquitaine l'an prochain pour une monographie ; dans l'immédiat, c'est à la Galerie Édouard Manet de Gennevilliers que le jeune homme opère, par une courte exposition faite d'une grande installation, de trois estampes et d'une vidéo.


Forte taille: (courtesy Galerie ACDC)

Remplissant trois des quatre salles du lieu, Forte taille est une sculpture située entre matière organique, industrielle et animale, sorte de gros ver serpentant dans l'espace de la Galerie Manet, passant les portes, surmontant les cimaises et remontant dans la cheminée. Faite d'extraits de morceaux de gouttière, elle témoigne d'une utilisation décalée d'une matière plutôt pauvre qu'Antoine Dorotte anoblit en la gravant, réalisant alors une eau-forte sur zinc, et en lui adjoignant une pyramide en cuivre sur laquelle coule du sulfate de cuivre bleu curaçao. Interminable et infinie, cette installation produite exprès in situ montre pourtant quelques signes de fragilité, voire de faiblesse, étant régulièrement obligée d'être soutenue par des tréteaux-béquilles en bois.


Tubo: (courtesy Galerie ACDC)

Omniprésente, cette forme irrigue même les trois estampes puisqu'on y retrouve le serpentin sur une d'entre elles, d'une part, et le bleu ajouté au paysage noir et blanc, d'autre part. Pour ces trois petits-formats, le Français a repris sa technique de gravure qu'il expérimente encore dans la vidéo Sur un coup d'surin, recréation en 260 plaques gravées d'une séquence de West Side Story (la bataille au cran d'arrêt entre Jets et Sharks). Déployant ainsi son obsession sur trois supports différents, Antoine Dorotte trace intelligemment son chemin et confirme nos premières bonnes impressions à son endroit.

Spécimens

François Bousquet — 2013-03-28T16:42:59Z

Thématique récurrente (on vient d'évoquer l'exposition Par Nature au 104), les relations entre art plastique et nature connaissent une nouvelle déclinaison avec Spécimens, proposition hivernale du Domaine de Chamarande. Depuis la rentrée 2011, le lieu a évolué avec le non-renouvellement du contrat de sa précédente directrice et semble s'être tourné vers une programmation moins en pointe qu'auparavant. Pour autant, se rendre à Chamarande, arpenter son parc et son château demeure une expérience réjouissante et Spécimens entend bien profiter de cette situation et jouer à plein l'interaction entre lieu et œuvres.

À ce titre, plusieurs plasticiens choisissent d'utiliser le lieu d'exposition pour le reconfigurer en espace de monstration de leur production : Mark Dion dispose une cabane de chasseur en bois dans un des salons et y présente des déchets et spécimens de toute sorte tandis qu'Hanna Husberg exploite toute la hauteur de l'escalier d'honneur avec un dispositif sonore et visuel composé de plusieurs écrans et d'une bande-son. Pour d'autres artistes, il s'agit plutôt de se livrer à des expériences, tels Sanna Kannisto, dont les vidéos d'insectes sont filmées au plus près de leurs sujets, ou Ivana Adaime Makac et son installation destinée à des vers à soie ainsi élevés en intérieur.


Lucy + Jorge Orta - Madre de Dios: (courtesy Galleria Continua San Gimignano)

La nature peut également être représentée de manière plus fidèle quand Kôichi Hurita aligne des fragments minéraux issus de divers endroits de la Terre, que Lucy et Jorge Orta affichent de grandes photographies de fleurs amazoniennes ou lorsque Herman de Vries accroche au mur des prélèvements extraits de ses voyages et pérégrinations.


Anthony Duchêne - Empyreume: (courtesy de l'artiste)

Mais c'est surtout dans des travaux plus hybrides qu'on attendait les plasticiens convoqués par l'association en charge du commissariat, afin de quitter le caractère très « museum d'histoire naturelle » que peut prendre une telle exposition. Sous ce jour, les interventions d'Anthony Duchêne se font particulièrement pertinentes, et notamment Le vélo triporteur Empyreume, fait de matériaux brûlés, fumés et grillés, et installé en majesté dans la Salle à manger des chasses du Château. De même, les photogravures d'oiseaux rendus stériles par Carsten Höller comme la structure en acier et bois de Douglas White, censée rappeler une forme éléphantesque, manifestent la nécessité d'un tel métissage.