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Festival Premiers Plans d'Angers 2013 - Reprise du Palmarès

François Bousquet — 2013-02-09T20:28:47Z

Fidèles à la reprise parisienne d'une large partie du palmarès des Premiers Plans d'Angers, nous étions à nouveau au rendez-vous pour la soirée présentant plusieurs films projetés au cours de la vingt-cinquième édition du festival. Comme bien souvent malheureusement, les films tirés de la section « Plans animés » nous parurent tout d'abord assez faibles : Fly Mill (Kärbeste Veski) de l'Estonienne Anu-Laura Tuttelberg (Prix Arte) est insignifiant tandis que Vie et Mort de l'Illustre Grigori Efimovitch Raspoutine de la Française Céline Devaux (Grand Prix du jury) se fait intéressant dans ses idées (alexandrins et animation proche du roman graphique haut de gamme pour narrer l'histoire du Russe) mais moins conséquent dans son résultat.

En revanche, les quatre autres courts-métrages et le long-métrage diffusés emportèrent nettement plus notre approbation, et notamment Avant que de tout perdre, première réalisation de Xavier Legrand (jusqu'à présent acteur), Prix du public parmi les courts-métrages français et récit de la journée de Myriam, mère de deux enfants qui décide de quitter son mari violent. Récupération des enfants avant l'école, contacts avec la famille pour trouver un point de chute et réglage des modalités auprès de l'hypermarché qui l'emploie comme hôtesse de caisse s'enchaînent dans la précipitation et la crainte que son époux ne vienne au magasin et ne découvre ses intentions. Les explications ne sont livrées que chichement au spectateur qui, à l'instar des collègues entourant Myriam (la convaincante Léa Drucker), découvre la vérité au fur et à mesure de cette très belle réussite sur un sujet difficile.

Après ce film centré sur une femme, les autres composaient, par ces rapprochements fortuits que permettent les festivals, un portrait fragmenté des jeunes hommes contemporains. Footing (Grand Prix du jury et Prix CCAS des courts-métrages français) voit ainsi Marco, la trentaine, revenir dans sa province natale le temps d'un week-end et se faire entraîner par son père, gendarme à la retraite, pour une course à pied. Vecteur d'un rapprochement entre les deux hommes qui, apparemment, ne se parlent pas souvent depuis que le fils a rejoint Paris, le footing permet à Damien Gault d'offrir aux personnages la possibilité de passer de la défiance et du scepticisme initiaux à des beaux échanges générés par le fil remonté des souvenirs. Dans Tweesprong, c'est à Maxime, la vingtaine, que Wouter Bouvijn s'attache : appelé au chevet de son père mourant d'une maladie dégénérescente, le Belge y retrouve mère et frère. Possiblement atteints de la même pathologie, les deux frères hésitent à se faire dépister, alors que la vie, autour d'eux, reprend son cours malgré tout. Sensible et délicat, ce film d'école (Grand Prix du jury de cette section) met, sous un angle inhabituel, la jeunesse face à ses choix. Avec L'Intruso, c'est un adolescent séchant les cours pour trainer avec sa petite amie qui se trouve confronté à ses parents apprenant la nouvelle. Or, le bourg de la campagne vénitienne où ils vivent est dans la crainte de l'arrivée d'immigrants ce qui a conduit le père de Thomas à créer, avec ses voisins, une sorte de milice censée répondre au sentiment d'insécurité. Naturellement, son chemin va croiser celui de son fils qui fait le mur du domicile familial et entraîner cette réalisation de Filippo Meneghetti (Prix du public des courts-métrages européens) vers un final aux atours de tragédie grecque.

Dernier volet de cette représentation éclatée du jeune homme européen, Oh Boy ! est le premier long-métrage de Jan Ole Gerster, réalisateur ayant auparavant travaillé sur Good Bye Lenin ! ou aux côtés de Wolfgang Becker pour le film collectif Allemagne 09. Chaque année ou presque, le festival Premiers Plans nous permettent de découvrir un nouveau et talentueux cinéaste allemand, preuve à la fois de la vitalité actuelle de cette cinématographie et de la pertinence des choix de la manifestation angevine. Nouvel exemple avec ce film présenté l'automne dernier au Festival du Cinéma Allemand mais que nous n'avions pu voir à l'époque ; Oh Boy ! y avait remporté le Prix du public, récompense également décrochée à Angers, concomitamment avec le Prix spécial du jury, décerné à la fois au film et à Tom Schilling, son interprète principal. Il est vrai que la caméra ne le quitte pas pour ce qui est à la fois un portrait de ce jeune homme, mais également le portrait d'une ville. Niko, allant sur ses trente ans, est ainsi suivi par Jan Ole Gerster pendant une journée et une nuit dédiées à ce Berlinois gentiment glandeur et dilettante : études arrêtées depuis deux ans, installation dans un deux-pièces payé par son riche paternel, hésitation sur le fait de quitter ou non sa copine, succession de rendez-vous ratés (avec un psychiatre chargé d'attester de sa capacité à récupérer son permis de conduire, avec son père, etc…).

Au son d'un jazz enlevé entraînant la déambulation vers une atmosphère quasi-new-yorkaise (que le noir et blanc de l'image souligne aussi), le film, entre deux moments cocasses (le gag récurrent du café que Niko n'arrive pas à prendre), est donc l'occasion de croquer le Berlin d'aujourd'hui avec squats d'artistes, petit dealer vivant chez sa grand-mère, rade où l'on peut boire de la vodka à pas d'heure, théâtreux dérisoires de prétention, solitaires nocturnes ou diner baigné de culture étatsunienne. En parallèle, Oh Boy ! n'élude pas le passé dans deux séquences opposées mettant en scène un acteur jouant un officier SS dans un navet historique et la rencontre fortuite avec une épave dans un bar qui s'avère avoir été un enfant ayant participé, malgré lui, à la Nuit de Cristal. Qu'en 1h25, Jan Ole Gerster arrive à faire tenir autant, dans une forme relativement ramassée et avec un canevas assez classique finalement, démontre bien le talent de ce cinéaste et permettait de clore superbement une soirée très homogène.

Date de sortie :
Oh Boy ! : 8 mai 2013

EntreVues - Festival International du Film de Belfort 2012 - Reprise du Palmarès

François Bousquet — 2012-12-12T14:02:27Z

L'an passé déjà, on avait souligné que les EntreVues de Belfort avait cédé à la mode de réunir fictions et documentaires au sein d'une même compétition internationale. Aboutissement logique de ce processus, le palmarès 2012 a couronné un documentaire, lauréat aussi bien du Grand Prix que du prix Documentaire sur Grand Écran. Avant de le diffuser lors de la soirée parisienne de reprise du palmarès belfortain, les programmateurs ont proposé, comme à chaque fois, le lauréat des courts-métrages.

Récipiendaire des Grand Prix et Prix du public, Vilaine Fille Mauvais Garçon est ce film de Justine Triet, déjà Grand Prix du jury aux Premiers Plans d'Angers en début d'année, et que nous avions par conséquent déjà vu lors de la reprise parisienne du palmarès angevin. Puisque nous avions pu, à l'époque, écrire toute notre circonspection face à ce court-métrage, nous n'y reviendrons pas ici.

Place ensuite à Léviathan, œuvre du duo Véréna Paravel et Lucien Castaing-Taylor qui choisit de suivre une séance nocturne de pêche industrielle sur un chalutier naviguant à proximité des eaux où le Pequod chassait Moby Dick dans le roman de Melville. Majoritairement filmé en caméra subjective ou très proche du sujet, le long-métrage ne nous fait rien perdre de la houle qui bat les flancs du navire, du tangage et du roulis, de la difficile condition du marin et de celle, encore plus délicate, du poisson capturé dans les rets géants du bateau. Les réalisateurs nous entraînent ainsi dans une expérience assez forte de plongée dans cet univers même s'il faut, pour véritablement apprécier la chose, être plutôt féru de mer et de tout son champ lexical. De fait, la dimension nocturne, le grain de l'image, son tremblement et sa volonté d'être au plus près n'aident en rien à contextualiser un propos qui apparaît alors comme difficilement lisible nonobstant ses qualités visuelles.

Festival du Cinéma Allemand 2012

François Bousquet — 2012-10-20T16:45:53Z

Mini-recension du Festival du Cinéma Allemand, notre témoignage de la semaine parisienne se limitera à deux longs-métrages seulement : Formentera et La Grâce (Gnade). Deux films qui, par le pur hasard des compatibilités d'emploi du temps, recèlent quelques points communs dans leurs arguments : soit deux couples dans la première moitié de leur vie (tout juste trentenaires dans le premier, proches de la quarantaine dans l'autre) qui quittent leur grande ville d'Allemagne (Berlin et Kiel) pour passer du temps (quelques semaines d'été dans Formentera, une installation plus durable dans La Grâce) à l'étranger (l'île des Baléares ainsi nommée ou la ville la plus septentrionale de Norvège) pour tenter ainsi de prendre un nouveau départ avant de se retrouver confrontés une épreuve inattendue.

Arrivés à Formentera, Nina et Ben sont hébergés par une communauté de hippies ayant connu le jeune homme quand il était enfant. Ce séjour estival est ainsi pour lui une forme de retour aux sources dans une ambiance un peu idéalisée : absence de contraintes, éducation libre de l'enfant d'un autre couple présent sur place, potentiel mélange des couples. Pour Nina (interprétée par Sabine Timoteo, qu'on n'avait plus vue depuis la première moitié des années 2000 pendant laquelle elle enchaînait les rôles de jeune fille torturée dans les films de la « nouvelle vague allemande »), le décalage est en revanche flagrant entre sa vie citadine et celle sur l'île, faisant presque naître chez elle l'impression d'être tombée dans un traquenard. À ce titre, Formentera est montrée par Ann-Kristin Reyels aussi bien comme le lieu de toutes les possibilités, mais aussi comme une forme d'enfermement puisqu'une île n'est jamais qu'un lieu clos et circonscrit. L'été qui devait s'inscrire comme une parenthèse et une façon de « prendre du temps pour nous » va en réalité conduire le couple à une sérieuse remise en question. Dans le même temps, la confrontation entre ce jeune couple berlinois et les hippies soixante-huitards permet à la réalisatrice de s'interroger, sous le soleil espagnol, sur le devenir des utopies illusoires et leur résistance au réel.

Si Maria et Niels déménagent en Norvège, c'est parce que le second y a une opportunité professionnelle mais c'est aussi l'occasion pour le couple et leur fils adolescent de prendre un nouveau départ qui sera donc vite enrayé par un accident. Ce point de départ est l'occasion, pour Matthias Glasner de présenter à nouveau (après Le Libre Arbitre, vu ici même il y a six ans) des personnages en quête de rédemption, dans un geste empreint de ce sentiment très chrétien. Il en ressort un aspect mélodramatique un rien trop marqué (notamment dans le personnage de Maria ou dans celui de sa supérieure, à l'hôpital) avec du surlignage (les scènes de chorale) mais bénéficiant de regards extérieurs plus intéressants (les séquences filmées à l'iPhone par le fils de la famille) et d'un certain souffle d'ensemble. Sous cet aspect, Glasner trouve dans la ville norvégienne d'Hammerfest un terrain idéal pour délocaliser la famille et servir de base à son récit. Cependant, il abuse peut-être un peu des panoramiques et travellings sur les grandes étendues enneigées et les villages faiblement éclairés. De même, la saisonnalité de l'histoire se fait trop littérale : débutant pendant la nuit polaire, quand le soleil ne se lève jamais, elle se déroule ensuite tout au long de l'hiver pour se clôturer à la Midsommarfest du 21 juin ; et pendant ce temps-là, quelle trajectoire peut bien suivre le couple… ?

Paris Cinéma 2012 - Compétition internationale

François Bousquet — 2012-07-16T16:24:26Z

Concurrencé cette année par le Champs-Élysées Film Festival, tenu début juin sur la célèbre avenue et sorte de réminiscence du mélange glamour-grosses machines cinématographiques qu'était le Festival du Film de Paris, Paris Cinéma perdure tant bien que mal. Avec ses huit longs-métrages, majoritairement venus de la Berlinale (cinq d'entre eux, dont Our Homeland, vu il y a quelques semaines au Goethe Institut) ou de la Mostra de Venise (deux autres), le festival ambitionne de présenter un panorama resserré de la production actuelle. Au sein de celle-ci, dont on relèvera l'absence (plutôt rare) de films français et de films anglophones, les programmateurs ont sélectionné des longs-métrages portés sur les premiers et les derniers âges de la vie.

La vieillesse face à la mort et aux souvenirs

En compétition à la dernière Berlinale, salué par une critique enthousiaste (qui lui décerna d'ailleurs le Prix de la FIPRESCI), Tabou était reparti sans prix majeur, le jury préférant, on y reviendra, des longs-métrages à contenu historico-politique. Pourtant, ce troisième film de Miguel Gomes se place, en creux et dans sa seconde partie, dans un tel positionnement ; auparavant, il aura fallu suivre la vie quotidienne d'une octogénaire en fin de vie dans le Lisbonne d'aujourd'hui. Aux côtés de sa femme de chambre et d'une voisine attentionnée, Aurora se fait plus acariâtre que pondérée dans un volet peu passionnant. Dans la seconde moitié de son film, le réalisateur portugais prend une ampleur certaine en exilant son récit au Mozambique par le biais d'un flash-back revenant sur les amours illégitimes d'Aurora dans les années 1950, et leurs liens avec la politique locale et la décolonisation du pays. Au-delà du travail sur l'image (tout est filmé en noir et blanc, sur du 35mm pour Lisbonne, en super-8 en Afrique), le travail sur le son se fait particulièrement probant. Dans la partie mozambicaine, l'atmosphère et les bruits de la nature sont ainsi conservés mais les dialogues et autres interactions humaines sont ôtés, pendant qu'une voix off s'occupe de la narration, dans un geste de distanciation entre roman-photo et mécanisme de remontée à la surface des souvenirs enfouis.

Nettement moins ambitieux, Une Vie simple (Tao Jie) suit scrupuleusement le programme que laissait augurer son titre : la petite peinture poétique du quotidien d'une aide-ménagère septuagénaire, ses rapports avec l'homme qu'elle a élevé comme son fils ou ses difficultés de santé ne réservent nulle surprise et nulle prise de risque. Les liens tellement emplis d'humanité entre les deux personnages, la bonté des uns et des autres et le bonheur de cette « vie simple » se trouvent magnifiés par la plate réalisation de la Hong-Kongaise Ann Hui et ont logiquement touché le cœur d'une majorité des spectateurs qui lui décerna le Prix du public. Restent néanmoins un jeu convaincant des deux principaux comédiens (Andy Lau et Deanie Ip) ainsi que l'apparition plutôt réjouissante de Tsui Hark dans son propre rôle de réalisateur outrageusement exigeant.

La jeunesse face à la violence et à la guerre

Film d'animation coréen passé quasiment inaperçu à la Quinzaine des Réalisateurs cannoise, The King Of Pigs (Dae gi eui wang) part des retrouvailles de deux trentenaires pour revenir sur leurs années de collège : ils y faisaient l'objet de brimades répétés des caïds de la classe jusqu'à ce qu'un autre camarade prenne leur parti et les défendent, dans une montée singulière de violence. Avec un peu de complaisance propre à ce type de projet, Yeun Sang offre un film marqué par une animation saccadée qui correspond bien au propos général, rejoignant les échanges heurtés des protagonistes. Néanmoins, cette absence de fluidité peut aussi rendre difficile l'adhésion au film, d'autant plus qu'elle est combinée avec quelques effets assez lassants : ralentis, zooms, musique insistante.

Très bien primé à la Berlinale (Ours d'argent), Just the Wind (Csak a szél) y a certainement touché les jurés par son sujet : l'assassinat de plusieurs familles tziganes, en 2008, par des extrémistes hongrois bien décidés à ne pas se laisser « envahir ». Dans le contexte européen actuel (remise en cause des roms l'an passé en France, arrivée au pouvoir de l'extrême-droite en Hongrie), le film a également marqué le jury parisien qui lui décerna son Prix. Si son propos est assez inattaquable (on ne peut que le suivre quand il dénonce de tels agissements), la forme de ce long-métrage pose de réelles questions, surtout qu'on était resté sur une très bonne impression de Bence Fliegauf avec son Dealer vu en 2004. Cette fois-ci, un carton nous annonce d'entrée que des assassinats ont été perpétrés, tuant des dizaines de tziganes ; partant, quand la caméra suit chacun des membres d'une même famille, et plus particulièrement les deux enfants, on sait qu'il y a de fortes chances que quelque chose leur arrive. Le suspense malsain ainsi mis en place, cette forme de chantage à l'émotion, dans l'attente de cet événement, se trouve, de plus, renforcé par un filmage au plus près des corps, rendant encore plus mystérieux le large hors-champ alors généré.

Même attachement à un contenu fort et poignant avec Rebelle de Kim Nguyen, et même regard bienveillant du jury berlinois l'hiver dernier (Prix d'interprétation pour son héroïne) sur ces deux années passées aux côtés de Komona, enfant-soldat en Afrique noire. Avec un tel matériau de départ, le réalisateur canadien enchaîne des développements plutôt attendus : enrôlement à douze ans de la jeune fille qui se trouve mariée à un jeune combattant puis engrossée à treize ans par le commandant de son bataillon avant d'être mère à quatorze ans. Ballottée entre les mains des différents rebelles, Komona met à profit ses visions prédicatrices de fantômes pour rester en vie et se rendre indispensable. Pour illustrer cette histoire forcément très dure, Kim Nguyen a recours au traditionnel quota de scènes difficilement soutenables (meurtres d'enfants, assassinat de leurs parents…) et croque des méchants diablement méchants.

Enfin, c'est toute une famille qui vit dans l'inquiétude dans Derrière la Colline (Tepenin Ardi) puisque des coups de feu se font entendre et que des chèvres sont tuées sans mobile réel. Aussi, le patriarche, Faik, son métayer, son fils et ses petits-fils, entreprennent de monter la garde autour de leur maison plantée au pied des collines rocheuses. Dans un univers où la femme n'est bonne qu'à cuisiner les côtelettes, peler les pommes et préparer le thé, les hommes vont évoluer dans la peur des nomades, ennemis invisibles dont on se demande même s'ils existent seulement ou s'ils ne sont pas plutôt la projection fantasmée de cette petite communauté repliée sur elle-même. En toute hypothèse, cette étrangeté s'avère le point fort du film du Turc Emin Alper, nettement plus que la lenteur contemplative qui irrigue une bonne partie de ce premier long-métrage.

Dates de sortie :
Rebelle : 28 novembre 2012
Tabou : 5 décembre 2012
Derrière la Colline : 10 avril 2013
Une Vie simple : 8 mai 2013
Just the Wind : 12 juin 2013

Paris Cinéma 2012 - Avant-premières

François Bousquet — 2012-07-15T10:11:55Z

L'avantage d'une offre pléthorique d'avant-premières comme celle de Paris Cinéma (même si, cette année, la manifestation a un peu réduit la voilure, passant de quarante-neuf l'an passé à trente-six), c'est qu'on peut y trouver un peu de tout et notamment des réalisateurs déjà appréciés. Ainsi sélectionna-t-on quatre longs-métrages, de quatre personnalités estimées (en tant que cinéastes ou acteur) : deux français, un belge et un états-unien.

Au début de Dark Horse, le film a tout d'une énième variation de Todd Solondz sur la classe moyenne blanche états-unienne et ses personnages regardés avec une forme de cynisme et de gentille moquerie mêlés. Au fil des réalisations, le réalisateur creuse en effet ce même sillon, faisant éclore un sentiment de répétition qui fut à son acmé avec Life During Wartime dans lequel il alla jusqu'à reprendre les personnages d'Happiness. Cependant, avec Dark Horse, il parvient à prendre quelques chemins de traverse quand sont abordés des rivages plus rêvés ou fantasmatiques, au gré de l'inspiration de son héros, adulescent trentenaire engoncé dans sa chambre au domicile parental, entouré de ses figurines de super-héros. En conséquence, la dimension corrosive n'est pas forcément aussi poussée que d'habitude et, à la place, une sorte de mélancolie un peu triste apparaît.

Au tournant du siècle, Sólveig Anspach était apparue avec le joli Haut les cœurs ! et le documentaire anti-peine de mort Made in the USA ; depuis, elle s'était un peu égaré, notamment dans des réalisations télévisées. C'est donc avec une attente mesurée que s'avance Queen Of Montreuil, histoire d'Agathe, jeune femme accueillant chez elle, à la mort de son mari, deux Islandais bloqués en France. En sus de ces deux « invités », toute une foule de gens passe dans la vie d'Agathe : voisin amoureux, grutier fan de cinéma, tenancier de laverie qui se lance dans internet, maîtresse de son défunt mari et gardien d'un zoo abandonné cherchant à ce que le dernier phoque retrouve sa famille. Ces deux derniers personnages sont les plus réussis, à la différence d'Agathe portraiturée par Florence Loiret-Caille et son unique expression, le menton fuyant et le regard abattu. Pour faire vivre cette petite troupe, la réalisatrice opte pour une forme baroque et décousue avec notamment un montage un peu haché et une narration pas très tenue, débouchant sur un ensemble assez inconsistant.

Suivi sur ces pages dès son premier film (Folie Privée, vu en 2004 à Locarno), Joachim Lafosse a, depuis, alterné longs-métrages plus légers (Ça rend heureux) et réalisations plus graves (Nue Propriété et Élève Libre). C'est à nouveau cette veine qu'il poursuit dans À Perdre la Raison, présenté à Un Certain Regard cette année (et dont beaucoup regrettèrent qu'il ne fût en compétition officielle), qui suit une jeune mère de famille nombreuse sombrant peu à peu dans la dépression. Pas complètement expliquée, cette dégringolade pourrait aussi bien résulter des événements qui la dépassent (naissances rapprochées, tâches ménagères multiples) que du poids de la famille de son mari, et notamment du père adoptif de celui-ci, bienfaiteur envahissant, vampirisant par sa bonté et ses attentions le jeune couple devenu complètement dépendant. Avec ce matériau, on retrouve le goût du cinéaste belge pour les tensions familiales, les liens ambigus et les tréfonds psychologiques. Sa caméra ne quitte quasiment jamais Murielle, magnifiquement interprétée par Émilie Dequenne, la filmant très souvent de l'embrasure des portes, comme une entomologiste auscultant son personnage jusqu'à un final que l'on ne pouvait que malheureusement pressentir.

De plus en plus présent sur les écrans (on se souvient notamment de sa très bonne prestation dans le rôle-titre du Père de mes Enfants) ou sur les planches (on l'avait vu au Rond-Point dans Harper Regan), Louis-Do de Lencquesaing endosse maintenant aussi le rôle de réalisateur puisqu'après deux courts-métrages, il s'avance avec son premier long, Au Galop, présenté à la Semaine de la Critique cannoise. Sur un canevas assez traditionnel de comédie sentimentale (un romancier quasi-quinqua divorcé tombe amoureux d'une jeune femme travaillant chez son éditeur et sur le point de se marier), Lencquesaing opte pour une posture très franco-littéraire, avec toutes les limites qu'on peut alors imaginer. Ainsi retrouve-t-on une voix off à la troisième personne du singulier, celle du romancier lui-même, qui narre l'histoire comme s'il lisait sa propre œuvre ; naît alors l'impression que le récit n'est que prétexte à l'autofiction littéraire en train de s'écrire. Ce sentiment de surécriture du film n'est, de surcroît, nullement dissipé par les bons mots évidemment distillés à des moments-clés du film : première rencontre entre les deux protagonistes, veillée funèbre du père du héros… Dans un tel contexte, les acteurs n'ont qu'à suivre cette partition très précise et, à cette aune, Alice de Lencquesaing (« double fille » : du réalisateur, dans la vie, et du romancier, dans le film) est une nouvelle fois formidable, après L'Heure d'Été, Le Père de mes Enfants ou Harper Regan, dans l'attente de la voir sortir un peu de l'ombre tutélaire de son géniteur.

Dates de sortie :
À Perdre la Raison : 22 août 2012
Dark Horse : 29 août 2012
Au Galop : 17 octobre 2012
Queen Of Montreuil : 20 mars 2013

Paris Cinéma 2012 - Courts-métrages

François Bousquet — 2012-07-13T09:34:26Z

Entre deux séances de longs-métrages, Paris Cinéma est l'occasion de découvrir également quelques courts-métrages, majoritairement français et traitant majoritairement, dans une tradition bien nationale, des relations humaines, sentimentales ou non, quel que soit l'âge des protagonistes.

Dès le collège, en effet, la récréation est le moment idoine pour se confier et échanger sur ces sujets même si le cœur de Ce n'est pas un film de cow-boys est davantage le ressenti des adolescents sur leur vision du Secret de Brokeback Mountain, passé la veille à la télévision. Leur regard sur le film d'Ang Lee est un moyen pour Vincent d'exprimer, en creux, sa « sensibilité » et pour Nadia de parler de son père qui préfère les hommes. Entre vannes d'ados et rapport à l'homosexualité, Benjamin Parent signe un film rafraîchissant et plutôt bien senti.

Même thématique mais univers et âge différents avec La Tête Froide s'attache à des footballeurs de 17 ans, près de Bordeaux, dans l'équipe desquels l'arrivée d'un nouveau joueur met en émoi le capitaine grande gueule : peur de l'inconnu, jalousie et attirance amoureuse se mêlent alors. Nicolas Mesdom fait ici le choix courageux d'un sujet tabou traité avec justesse, n'éludant pas les difficultés d'une telle situation dans un milieu où une telle question conduit soit à la dérision, soit au lynchage.

Rixe et coups donnés sont également au centre du film de Manuel Schapira : à la porte d'un appartement parisien, deux jeunes se voient refuser l'entrée à une soirée, une bagarre éclate avec un invité pendant qu'un autre y assiste, interdit, et que personne ne sort de l'appartement pour leur venir en aide. Renvoyant chacun à l'interrogation classique du « qu'aurais-je fait dans une telle situation ? », Les Meutes se révèle être un court-métrage fort et percutant.

Nettement plus apaisé dans la forme, Le Pays qui n'existe pas conte un week-end en famille (père, mère et fille de douze ans) à Disneyland Paris. Bonheurs simples et moments un peu hors du temps se trouvent perturbés lorsque Jeanne découvre un texto compromettant sur le portable de son père. Désireuse de garder le secret, elle se mue dans le silence en même temps que son innocence disparaît et permet à Cécile Ducrocq, déjà très appréciée de ces pages avec son précédent court-métrage (Tout le monde dit je t'aime, vu l'année dernière ici-même), de poser un œil touchant et gracieux sur ces bouleversements intérieurs.

D'autres émois transportent le héros trentenaire de Fille du Calvaire qui, tous les jours, le temps d'un trajet sur la ligne 8 du métro parisien, raconte à un ami son processus de séduction d'une jeune femme. Pendant ces quelques stations quotidiennes, comme autant d'étapes de cette Carte du Tendre contemporaine qui s'écrit chaque jour, on suit l'évolution de cette relation : premier coup d'œil, première lettre, premier ciné, premier verre… Dans cette unité de lieu constituée par le wagon de métro, le film de Stéphane Demoustier (lui aussi découvert avec son court-métrage l'an passé) se fait peut-être un peu bavard même si, assurément, c'est la loi de ce type d'échanges.

Enfin, La Vie Parisienne arrivait à Paris Cinéma après avoir fait bonne impression au Rencontres du moyen-métrage de Brive. Cette chronique d'un couple d'enseignants se trouve ponctuée de chansons de cette variété française décalée (Katerine, Mikado, Stereo Total) qui irriguent la totalité du film : sens de l'absurde poussé jusqu'à l'expiration, second degré censément décalé mais vite pénible, son en direct et jeu approximatif des acteurs faussement naturels. Dans la lignée d'un certain cinéma français presqu'irritant, Vincent Dietschy réussit néanmoins quelques séquences plus absurdes.

Quinzaine des Réalisateurs 2012 - Reprise de la sélection

François Bousquet — 2012-06-13T08:42:51Z

Après deux éditions plutôt fraîchement accueillies, c'est sans grande surprise que Frédéric Boyer a été remplacé à la tête de la Quinzaine des Réalisateurs par Édouard Waintrop, ancien critique et ayant déjà une expérience en qualité de dirigeant de festival. Charge à lui de remonter le niveau de la Quinzaine, largement éclipsée l'an passé par la Semaine de la critique (l'autre section parallèle de Cannes) avec ses réussites critiques et publiques (La Guerre est déclarée, 17 Filles ou Take Shelter).

La comédie comme facteur de rétablissement

Pour cette première sélection, Waintrop a clamé vouloir redonner toute sa place à la comédie, genre trop souvent écarté des grands festivals. Parmi celles-ci, Camille redouble connut un excellent accueil qu'il convient ici de tempérer. Au regard des dernières réalisations en date de Noémie Lvovsky (les moyens Les Sentiments et Faut que ça danse !), le film constitue néanmoins une bonne remise à niveau avec cette histoire de Camille, quadra en instance de divorce, à tendance alcoolique, qui, le soir du 31 décembre, fait une mauvaise chute et se réveille le 1er janvier 1985 mais en ayant conservé son corps et ses souvenirs d'adulte. Alors qu'autour d'elle, tout le monde la voit comme une adolescente, Camille va se trouver confrontée aux traditionnelles questions liées à ce motif extrêmement récurrent du cinéma (Peggy Sue s'est mariée, évidemment, mais aussi, au hasard, Une Fenêtre sur l'Été, vu au dernier Festival du cinéma allemand) comme de la littérature (Quartier Lointain de Taniguchi, par exemple). Le souci du motif récurrent, c'est que tous ses développements sont connus : croiser l'amour de sa vie une seconde première fois, revivre un trauma d'enfance particulièrement marquant, appréhender d'un œil neuf les petits riens du quotidien (ce qui amène Camille à enregistrer ainsi la voix de ses parents pour en garder une trace), etc… Heureusement, quelques poncifs sont évités et Noémie Lvovsky, qui interprète le rôle-titre, nous épargne le plan où l'héroïne se regarde dans le miroir de la salle de bains qui lui renvoie son visage juvénile ; à l'inverse, entre deux scènes très cocasses (notamment au lycée), elle ose des passages moins attendus, comme celui dans lequel elle se mue en cougar malgré elle pour séduire un garçon.

Autre rétablissement réel, après les décevants Parfum de la dame en noir et Bancs Publics, Adieu Berthe - L'enterrement de Mémé permet à Bruno Podalydès de se concentrer à nouveau sur un personnage, interprété par son frère Denis, d'homme un peu perdu dans une réalité qui paraît le dépasser. Ainsi, dans la lignée de ses premiers films, le Français retrouve ce goût pour le décalage tendre, la magie et le bricolage un peu foireux. Plus encore, avec cette histoire de grand-mère quasi-inconnue qu'il s'agit d'enterrer, Podalydès développe également une réflexion sur la mort ou sur les choix qui structurent la vie qui la précède. En lieu et places de machines et constructions bizarres qui parcouraient Le mystère de la chambre jaune, ce sont les longs tiroirs et panneaux coulissants de la pharmacie tenue par le héros qui servent de relais visuels au réalisateur, comme autant de symboles de nos vies à tiroirs. Entre deux francs sourires, on pourra cependant éprouver peut-être un peu de lassitude à retrouver la même troupe d'acteurs de film en film, jusqu'au moindre troisième rôle (Jean-Noël Brouté, par exemple), a fortiori après avoir vu Camille redouble avec qui Adieu Berthe partage au moins trois comédiens et, plus généralement, un même état d'esprit.

Le genre comme mode de traitement historico-politique

Pas véritablement une comédie, No compte néanmoins plusieurs passages qui font aisément sourire, notamment en raison de son ancrage dans les années 1980. De fait, ce nouveau film du Chilien Pablo Larraín traite du référendum de 1988 par lequel le général Pinochet demanda au peuple s'il voulait toujours de lui à la tête du pays. Sollicité par le camp du « No », un jeune publicitaire se trouve conduit à réaliser les premiers spots politiques d'un pays qui n'avait alors jamais connu de campagne télévisée. Limitée à un quart d'heure quotidien par camp, celle-ci fut l'occasion d'une communication débridée, à base de chansons, danses et discours un peu désuets sur la « joie à venir ». Attaché à l'histoire de son pays (on se souvient de ses précédents films comme Tony Manero et Santiago 73, Post Mortem), Larraín fait donc le choix d'aborder cet événement historico-politique par le prisme de son héros et de romancer un peu le tout, puisque le patron de son agence de publicité travaille, pour sa part, pour le « Sí ». Néanmoins, le plus important reste la construction de la propagande et des clips, avec toute la mauvaise foi traditionnelle de ce genre de matériau quand il s'agit de rendre compte de l'autre camp. Afin de réellement plonger le spectateur dans l'époque, le réalisateur opte pour un mélange réussi d'images d'alors (extraits de journaux télévisés et les vrais clips eux-mêmes) et de séquences tournées, pour un rendu uniformément diffusé en 4/3. Grâce à ce procédé, ces vingt-cinq ans paraissent très loin et très proches car on trouve dans No des résonances évidentes avec l'actualité, en ce qui concerne le statut de la chose publique passée au tamis publicitaire.

C'est une dizaine d'années auparavant que se place Nicolas Wadimoff pour son Opération Libertad, proposition retraçant les années d'activisme du GAR (Groupement autonome révolutionnaire), mouvement genevois né au milieu des années 1970, dans la continuité d'autres factions européennes d'extrême-gauche. Pour décrire l'histoire de ce groupuscule fictif, le réalisateur choisit la forme du mockumentary, soit un faux documentaire, avec tous les aspects du genre : caméra portée, tournage par un sympathisant du mouvement, image un peu sépia, voix off contemporaine revenant sur cette expérience. Dépeignant la fascination obsédante des membres du GAR pour la vidéocratie et l'admiration qu'ils ont des Brigades Rouges qui, elles, ont réussi à captiver l'attention avec l'enlèvement d'Aldo Moro, le film souffre néanmoins de quelques faiblesses. N'est pas tant en cause le côté un peu « pieds nickelés » des protagonistes (sans véritable plan ni objectif, davantage en réaction que dans l'action, faisant dire à l'un d'eux : « si je comprends bien, on va tuer ce type car on manque de place dans la voiture »), mais plutôt l'aspect un peu bâtard du parti pris filmique. De fait, le réalisateur par procuration se trouve, comme par hasard, toujours au bon endroit pour saisir tel instant crucial ou tel moment fort, des images de vidéosurveillance sont intégrées (alors qu'il semble peu probable que les activistes les aient récupérées) et la voix off offre un discours trop plaqué.

Pour sa part, Massoud Bakhshi penche pour une forme de policier dans lequel son héros, universitaire vivant en Occident et conduit à revenir quelques jours en Iran, se trouve à la fois confronté aux spécificités contemporaines du pays et au souvenir de la guerre Iran-Irak de 1981. Se mêlent alors corruption policière, trahisons familiales et tensions de toute sorte dans un film marqué par l'utilisation d'un double flash-back : au sein même du long-métrage qui débute par une des scènes finales, et pour faire le lien avec le passé du héros lorsque les scènes se déroulant trente ans auparavant sont montrées. Fort de tous ces éléments, Une famille respectable (Yek Khanévadéh-e Mohtaram) s'avère pertinent dans la manière dont il confronte la vision occidentalisée d'Arash aux réalités locales.

Enfin, avec Rêve et silence (Sueño y silencio), Jaime Rosales poursuit son exploration des procédés formels contemporains : après le split-screen de La Soledad et les téléobjectif et absence de dialogues d'Un tir dans la tête, voici le noir et blanc hiératique. De fait, l'Espagnol, pour accompagner cette histoire de deuil au sein d'une famille ibérique installée à Paris, utilise des longs plans mutiques en alternant filmage de très loin et plans serrés dans lesquels ses personnages se trouvent hors-champ ou bord-cadre. À nouveau très exigeant, un tel procédé a pu rebuter plusieurs spectateurs et frise l'effet de style avec ses partis pris de mise en scène assez appuyés ; néanmoins, la sobriété de l'ensemble et des ellipses bienvenues permettent de se concentrer sur la reconstruction familiale. Centré sur un personnage, en mettant un autre à l'écart et se faisant plutôt à charge envers un troisième, le film montre que ce travail de deuil ne passe pas nécessairement par une complète cohésion.

Autres reprises de la Quinzaine des Réalisateurs :
du 8 au 14 juin 2012 : Rome
du 13 au 20 juin 2012 : Milan
du 20 au 27 juin 2012 : Cinémathèque royale de Bruxelles

Dates de sortie :
Adieu Berthe - L'enterrement de Mémé : 20 juin 2012
Camille redouble : 12 septembre 2012
Rêve et silence : 3 octobre 2012
Une famille respectable : 31 octobre 2012
No : 6 mars 2013

La Berlinale à Paris (2011-2012)

François Bousquet — 2012-04-20T12:56:30Z

Initiée en 2008, la reprise au Goethe Institut d'une partie des films montrés en février au Forum permet de mettre en lumière cette section parallèle de la Berlinale. Régulièrement présentée par la presse comme la plus inventive et la plus défricheuse, cette manifestation présente chaque année une quarantaine de longs-métrages dont sept étaient donc projetés à Paris, dans des conditions parfois précaires : sous-titrage français réalisé en direct par les équipes de l'Institut, diffusion en Blu-Ray donnant un son très compressé ou une image quasi-convexe. Pour autant, cette initiative s'avère tout à fait louable et nous permit de voir trois films plutôt corrects.

Derrière Our Homeland (Kazoku No Kuni), on imagine rapidement la part autobiographique, d'autant plus que Yang Yong-Hi avait déjà réalisé un documentaire sur un sujet similaire en partant de l'histoire de son beau-frère. Cette fois-ci, c'est Sonho qui est au centre de ce film narrant le retour à Tokyo d'un Nord-Coréen qui, après avoir vécu ses premières années au Japon, en était parti à seize ans afin de rallier sa terre véritable, pris dans le mirage de la propagande communiste. S'il revient, vingt-cinq après, c'est pour faire de analyses médicales et être opéré d'une tumeur au cerveau et en profite, du coup, pour habiter à nouveau dans sa famille. Sans surprise, cela nous donne droit à quelques scènes attendues : le décalage entre la famille vivant dans un pays ouvert et l'homme perclus de réflexes dus à la vie sous contrainte, la soirée avec la bande du lycée reformée ou les retrouvailles avec l'amour d'enfance qui en a épousé un autre. En fil rouge, se niche l'incompréhension de la sœur cadette face à ce frère qu'il faut réapprivoiser. Bien vite cependant, le surplomb politique (qui n'avait jamais complètement disparu avec cette figure du « camarade », œil de Pyongyang, omniprésent) refait surface et démontre que, quoiqu'il arrive, quel que soit l'environnement qu'on peut réactiver, il prendra toujours le dessus.

Pur produit Sundance (ses deux longs-métrages y ont été présentés), David Zellner ambitionne de se positionner entre white-trash et peinture du quart-monde périurbain avec cette Annie qui, sous sa blondeur et ses taches de rousseur, passe en vérité ses journées à commettre des petits actes de destruction : faire exploser des bananes à l'aide de pétards, tirer sur des vaches mortes avec un pistolet de paint-ball, défoncer un urinoir usagé à la batte de base-ball… Comme on est évidemment le produit de ses parents, on ne sera pas étonné que son père soit un amateur de stock-car et délaisse complètement la pré-adolescente. Quand celle-ci trouve un trou, apparemment habité, dans la forêt, elle se met à échafauder plusieurs hypothèses : présence du diable, moyen de chantage afin de s'offrir une échappatoire. Si la veine « sauvageonne » de Kid-Thing s'avère assez répétitive car plutôt convenue, cet aspect quasi-merveilleux ouvre des pistes plus étranges et apporte un contrepoint plus intéressant au film.

Avec La Demora, son troisième long-métrage, Rodrigo Plá continue sa tournée des sections parallèles des grands festivals puisque La Zona avait été montré aux Giornate degli autori vénitiennes en 2007 et Desierto Ardento à la Semaine de la critique cannoise en 2008. Le « retard » du titre, c'est celui de María selon Agustín ; la première est mère célibataire de trois enfants et doit s'occuper du second, son père frappé de sénilité que, par fatigue et usure, elle oublie volontairement sur un banc public alors qu'il croit qu'elle est juste partie faire des courses. Persuadée que les services sociaux vont le prendre en charge et le placer dans un centre d'hébergement, elle rentre chez elle soulagée, avant qu'inévitablement, le remords ne monte en elle. Sur un sujet d'une forte actualité, ressentie aussi bien en France qu'à Montevideo, donc, l'Uruguayen réalise un film plutôt équilibré, ne versant ni dans le pathos, ni dans la moralisation ou la mise en accusation de son héroïne.

Date de sortie :
La Demora : 20 février 2013

Festival Premiers Plans d'Angers 2012 - Reprise du Palmarès

François Bousquet — 2012-02-11T15:45:07Z

Après les trois lauréats des Prix du public l'an passé, ce sont les trois courts-métrages récipiendaires des Grands Prix du jury qui furent présentés lors de la traditionnelle soirée de reprise parisienne des Premiers Plans d'Angers. En face d'un public toujours majoritairement composé de membres de cette grande famille du cinéma (« Au fait, Agnès Varda t'embrasse ! », « T'as pensé à inscrire ton court à la Quinzaine ? », « J'suis en phase de montage, je vois plus le jour »), la séance débuta par Vilaine Fille Mauvais Garçon, histoire d'une nuit où se croisent Thomas, peintre à la dérive, et Laetitia, comédienne désœuvrée. Malheureusement, le film de Justine Triet (jusqu'alors repérée pour son travail documentaire) fait rapidement montre de composantes nous rappelant furieusement (et ce n'est pas un compliment ici) La Vie au Ranch : son et image approximatifs, personnages qu'on a très vite envie de secouer pour qu'ils arrêtent de se laisser aller, beuveries et bavardages incessants et inconsistants, etc…

Passé un film d'animation reprenant la trame habituelle du petit personnage qui s'échappe, par rêve, de son quotidien d'ouvrier à la chaîne (Malou ou l'hostilité mécanique (en Ut majeur) de la Belge Evelien De Roeck), la Roumanie nous livra un nouvel exemple de son cinéma à l'humour absurde. Bora Bora permet ainsi à Bogdan Mirica de développer ce goût du décalé avec l'histoire d'un pêcheur dans une zone asséchée qui se trouve pris malgré lui dans une histoire de champ de cannabis. Enfin, là aussi dans la lignée de la partie la plus intéressante de son cinéma national, Micah Magee, Berlinoise d'adoption, s'est attachée à un frère et une sœur confrontés à l'épreuve du deuil d'un être cher. Les réactions contrastées de deux adolescents (elle, la douzaine, lui, juste sous les vingt ans) sont servies par des comédiens convaincants et une caméra touchante. Heimkommen, film d'école lauréat du Prix du public de cette sélection, fut donc une de ces belles découvertes comme les Premiers Plans savent en réserver et permit d'ajouter un nouveau nom à la liste des réalisateurs allemands à suivre.

Pour les longs-métrages, l'équipe du festival avait réduit la voilure (huit européens et quatre français, dont Sur la Planche, vu l'été dernier à Paris Cinéma et tout récemment sorti en salles) et présentait ce soir La Terre Outragée, Prix du public des longs européens. Cette « terre outragée », c'est celle entourant la centrale de Tchernobyl qui est la première, avec la faune et la flore avoisinantes, à se rendre compte de la catastrophe à venir, puisque le film débute le 25 avril 1986. Pendant ce temps, les humains se baignent, célèbrent un mariage ou sont à la pêche, mais les pluies noires et les nuages toxiques font virer l'ensemble à la tragédie. Dix ans plus tard, Anya revient sur les lieux en tant que guide touristique et profite de ses passages récurrents pour effectuer un retour sur un passé qui continue de l'emprisonner et l'empêche d'aller de l'avant. Pour servir son propos, Michele Boganim (Franco-Israélienne, elle aussi passée par le documentaire) abuse du recours à la voix off, marquée de surcroît par des phrases pesantes (« Nous étions heureux car nous étions jeunes. Mais nous n'étions pas seulement jeunes, nous étions aussi des enfants »). De même, une symbolique trop appuyée (l'image du pommier qui grandit malgré tout) vient grever un ensemble qui fait néanmoins office de témoignage correct sur cette « zone interdite ».

Date de sortie :
La Terre Outragée : 28 mars 2012

EntreVues - Festival International du Film de Belfort 2011- Reprise du Palmarès

François Bousquet — 2011-12-19T12:54:41Z

À la suite d'autres festivals (Angers et Nantes, par exemple), les EntreVues de Belfort ont fait le choix, cette année, de regrouper fiction et documentaire au sein de compétitions uniques, aussi bien pour les courts-métrages que pour les longs. Peu souvent probante, une telle démarche a néanmoins trouvé ici sa pleine raison d'être, d'autant plus que les deux films lauréats des Grands Prix se situent précisément à la frontière entre ces deux genres.

Repéré à Cannes où la Cinéfondation l'avait diffusé, Drari est le court-métrage de fin d'études de Kamal Lazraq, récent diplômé de la FEMIS. À Casablanca, il suit la trajectoire de trois jeunes gens : Ghali, fils de bonne famille, Mohammed, jardinier noir, et Sanaa, jeune femme sur lequel le premier a des vues. En fait du trio amoureux imaginé, le réalisateur ne s'intéresse ni aux éventuelles jalousies compétitives entre Ghali et Mohammed mais montre plutôt comment toute la bonne volonté ne peut aller contre les présupposés de classe, de genre et de couleur de peau. En effet, Ghali considère Mohammed comme son ami et ne peut se résoudre au fait que toutes les personnes que le trio croise (policier, hôtelier…) s'adressent à lui et non au jardinier. Cette suite de moments saisis peut éventuellement sembler un peu répétitive mais elle s'avère suffisamment probante pour faire sens.

Doublement récompensé à Belfort, L'Été de Giacomo (L'Estate di Giacomo) a reçu aussi bien le Grand Prix pour les longs-métrages que le Prix Documentaire sur Grand Écran. Veine documentaire car le film est centré sur Giacomo lui-même, garçon en fin d'adolescence et atteint de surdité dont on suit quelques journées estivales ; mais veine fictionnelle également car on retrouve les occupations classiques de cette période de l'année : soirées à la fête foraine et au bal populaire, balades à bicyclette, marches en forêt, baignades au lac et pique-nique pour lesquelles Giacomo est accompagné de Stefania, son amie d'enfance. La force du film d'Alessandro Comodin est de ne jamais montrer la surdité du jeune homme comme déterminante. En effet, sa relation avec Stefania n'est pas structurée par celle-ci mais par le fait qu'ils sont amis d'enfance. Par conséquent, on tient là une chronique plutôt tendre dans laquelle Giacomo se laisse aller à un peu de cabotinage et de gamineries, voire, malgré tout, à un questionnement face à ces formes féminines caressées par le soleil du Frioul.

Avec son histoire de projectionniste dans un petit cinéma de province qui, la nuit, se transforme en serial killer fétichiste, Laurent Achard prenait plusieurs risques. Sous cet aspect, Dernière Séance, lauréat du Prix du film français, se situe à la limite du grand-guignol ou du kitsch (notamment dans une dernière séquence à la fois magnifique et un peu grandiloquente) mais témoigne d'un réel amour de cinéma qui rattrape le tout. Bien que le hors-champ ne soit pas toujours maîtrisé, que les flashbacks soient trop appuyés et que les références (cinématographiques ou à des séries TV) soient un rien voyantes, il convient néanmoins de saluer la ténacité et la forme de courage de s'atteler à un film de genre sans en éluder les canons.

Dates de sortie :
Dernière Séance : en salles depuis le 7 décembre 2011
L'Été de Giacomo : 4 juillet 2012