EtherREAL - Magazine de musiques actuelles - électroniques, expérimentales - et de pratiques artistiques contemporaines

Memento Mori

François Bousquet — 2013-04-12T14:40:12Z

À l'image de ce qu'ont pu faire quelques titres de presse, il conviendrait peut-être de conseiller au lecteur qui souhaiterait assister à Memento Mori d'arrêter là la lecture et de ne pas non plus lire le programme de salle distribué à l'entrée. De fait, goûter le nouveau spectacle de Pascal Rambert le plus vierge possible s'avère plutôt recommandé tant il joue sur des effets de surprise et de dévoilements progressifs.

Plongée dans le noir intégral (même les éclairages de sécurité ont été éteints), la salle se trouve tout d'abord confrontée à des formes quasi-spectrales dont on aperçoit difficilement les mouvements, évoluant doucement comme portées par une nappe électronique. Sont-elles vêtues d'une combinaison phosphorescente ? recouvertes d'une peinture réfléchissante ? ou s'agit-il simplement d'un habile jeu de lumière ? À mesure qu'avance la proposition, que les déplacements et gestes se font plus amples et les plages de totale obscurité moins longues, les réponses émergent en même temps que les corps de la noirceur. Métaphores évidentes de la genèse et de la période avant la chute convoquées par Rambert, ces figures renvoient également à des précédentes créations du Français dans lesquelles il interrogeait déjà la nudité et l'obscurité.

Révélé un peu plus par de nouveaux jeux de lumière façon halo nuageux, le plateau accueille ensuite les cinq danseurs en même temps pour une seconde partie où on les voit se rapprocher, unir leurs corps dans un simulacre de rite païen et se couvrir mutuellement d'une matière flasque qu'on imagine être de la glaise, parfait moyen de continuer à évoquer la naissance ou la sortie de cocon. Soulignée quand les projecteurs se teintent de bleu-vert et que les interprètes représentent alors des larves s'échappant de chrysalides, cette lecture est contredite quand les lumières, réalisées par Yves Godin, se font rouges. Plus proche alors d'œuvres picturales (on pensa au Saturne dévorant l'un de ses enfants de Goya), le plateau vire au presque sanguinolent quand le vrombissement sonore se fait plus présent, avant de révéler la nature de la matière échangée, qui se révèle être beaucoup plus organique qu'imaginée.

Autres dates :
9 et 10 avril 2013 : Théâtre Daniel Sorano - Toulouse

En Amour, il faut toujours un Perdant

François Bousquet — 2013-04-08T14:32:20Z

Pour sa septième édition, le Festival Concordan(s)e conserve le même principe de base qui en fait sa singularité : organiser la rencontre entre un écrivain et un chorégraphe, artistes qui ne connaissent pas avant et se voient commander un travail qui ne connaîtra probablement pas de lendemain. Au-delà de cette manifestation, la soirée était aussi l'occasion de découvrir Le Colombier, salle associative située au centre de Bagnolet, dédiée au spectacle vivant sous toutes ces formes, y compris les moins attendues comme les arts martiaux. Bien rempli, le petit espace accueillait ce soir-là la confrontation entre Emmanuelle Bayamack-Tam, romancière ayant publié à la dernière rentrée Si tout n'a pas péri avec mon innocence dont la presse s'est positivement fait l'écho, et le chorégraphe et danseur Fabrice Ramalingom.

À l'image du processus créatif qui tourne autour de l'échange, la proposition se concentre également sur ces questions : échange des présentations tout d'abord avec diffusion sonore d'autoportraits enregistrés de chacun des deux protagonistes tandis qu'ils s'installent sur le plateau. Échanges tarifés ensuite quand on comprend que chacun d'eux joue un prostitué et que Fabrice Ramalingom s'effeuille. Échanges de coups et corps enfin dans un ballet à la violence contenue dont on ne sait véritablement s'il tient du combat, de l'affrontement, de l'empoignade ou de l'entremêlement sauvage, pendant que la chanson de Julio Iglesias, qui donne son titre au spectacle, est jouée dans les enceintes.

Comme on pouvait s'y attendre, chaque artiste s'avère un peu plus faible dans le domaine qui lui est, a priori, étranger. Ainsi Emmanuelle Bayamack-Tam n'est-elle pas de plus à l'aise lorsqu'elle se déplace alors que Fabrice Ramalingom fait montre d'une diction un peu heurtée ou d'un débit trop rapide. Néanmoins, il reste un travail sur le couple/duo qui reste pertinent, la manifestation d'une collaboration louable et la volonté des deux créateurs de s'y impliquer physiquement et complètement.

Autres dates :
4 avril 2013 : Maison Rouge - Paris
13 avril 2013 : Bibliothèque André Malraux - Les Lilas

Guilherme Botelho : Jetuilnousvousils

François Bousquet — 2013-01-13T15:10:32Z

Éternelle préoccupation des chorégraphes, la notion de groupe se situe évidemment au centre d'une création limpidement intitulée Jetuilnousvousils. Pensé par Guilherme Botelho, Brésilien installé à Genève, le spectacle met aux prises dix danseurs coagulés, évoluant tout d'abord par mouvements synchronisés : marche à quatre pattes, roulades, roulés-boulés, marche à reculons, pas chassés, etc… Ainsi agglutinés, ne faisant qu'un dans une perspective unificatrice et fusionnelle, les interprètes arpentent le plateau en traçant des grands ovales, changeant de gestuelle sous l'impulsion de l'un d'entre eux, un peu à la manière des enfants qui jouent au « chef d'orchestre ».

Comme dans la vie, le groupe peut toutefois se désagréger quand l'un des danseurs se désolidarise, s'isolant des autres en se rendant à l'autre bout du plateau. Néanmoins, il se trouve vite repris, comme si l'instinct grégaire et la force du collectif étaient plus forts malgré tout. Sous ce jour, on pourra percevoir une veine zoomorphique dans les déplacements très groupés des participants, tels des animaux avançant en masse et de laquelle émergent par moments des bras tendus vers le plafond tels des cous ou des trompes. Déconnectés de la sorte de toute contextualisation spatialo-temporelle (seul flotte au-dessus d'eux un gros ballon éclairé de l'intérieur), les dix danseurs évoluent au rythme d'une bande-son indiscontinue, variations électronico-acoustiques d'A.p.p.a.r.t..

Inévitablement, le spectacle conduit les interprètes à un retour à l'état de nature quand, probablement trop réchauffés par l'astre de plus en plus blanc et situé de plus en plus au centre du plateau, ils se déshabillent pour le final. L'aspect tribal se trouve alors renforcé par la présence de bandes noires marquées au charbon sur leurs bras et abdomens, comme une marque d'appartenance au même groupe social. L'implacable incandescence du globe se poursuivant, les danseurs ont beau courir sur scène, leur irrésistible destin est de disparaître quand la lumière blanche devient aveuglante et que nous hésitons alors : étions-nous face au big-bang et en présence des premiers hommes ou face à une apocalypse aux côtés des derniers humains ?

Autres dates :
15 janvier 2013 : Théâtre Palace - Biel
7 février 2013 : Kaserne - Bâle

Preparatio Mortis

François Bousquet — 2012-12-11T13:04:48Z

Créateur flamand opérant aussi bien dans le champ des arts plastiques que du spectacle vivant, Jan Fabre était accueilli au Théâtre de Gennevilliers pour y présenter quatre soli, précédemment montés mais montrés ici dans une cohérence d'ensemble bienvenue. Dernière de ces quatre chorégraphies, Preparatio Mortis permet au Belge de se confronter à la mort et à sa manière de la représenter. De fait, un cercueil est placé au centre du plateau et se trouve recouvert de fleurs quand le spectacle débute. Ce tapis coloré se met alors à se mouvoir, comme s'il respirait par en-dessous ; un bras, puis une jambe, apparaissent avant qu'Annabelle Chambon ne se dévoile plus avant, émergeant de cet amas floral. Allongée sur le cercueil transparent, elle va le parcourir dans sa longueur, faisant tomber au fur et à mesure les fleurs qui le recouvraient. Par la suite, descendant de l'ouvrage, elle évoluera en marchant sur d'autres bouquets, se saisissant de quelques tiges pour les serrer contre elle, se roulant au milieu du parterre ou mâchouillant des pétales.

Dans la seconde partie du spectacle, on retrouve la danseuse à l'intérieur du cercueil, ondoyant doucement, comme si elle se trouvait plongée dans du formol, ses mouvements entravés et engourdis dans un geste renvoyant d'autant plus à l'engoncement utérin que la jeune femme s'est alors dénudée. Traçant quelques signes et dessins sur la paroi du parallélépipède, Annabelle Chambon tente de communiquer avec le public puisqu'une prise de parole est rendue impossible, mais rien n'y fait et l'environnement finit par prendre le dessus.

Visuellement, Preparatio Mortis manifeste ainsi de grandes qualités, à l'image de ce tapis de fleurs éclairé par une lumière très basse (il faut grandement plisser les yeux si on est assis au-delà du cinquième rang), filtrée par une gélatine mordorée, qui confèrent une tonalité proche des primitifs flamands à ce tableau fait de composition florale rouge, jaune et blanche. Pendant à cet esthétisme, les convulsions du corps se secouant laissent imaginer que l'interprète se livre à une séance d'auto-exorcisme ou est l'objet d'une quelconque sorcellerie. En conséquence, l'ensemble peut sembler parfois un rien pompeux et grandiloquent (présence indiscontinue d'une musique d'orgue, immensité de la cage de scène en regard de la dimension du cercueil et du tapis floral, dispositif global ne lésinant pas sur les effets un rien emphatiques) mais ceci n'altère que modérément l'impression générale laissée par cette chorégraphie.

Rings

François Bousquet — 2012-12-04T17:32:19Z

Initialement prévue pour être conçue avec le scénographe de Claude Régy, la chorégraphie de Julia Cima a du être en bonne partie revue quand celui-ci n'a finalement pas été de la partie. L'idée de départ est néanmoins restée : jouer sur la polysémie de « Rings », à la fois évocateur de combats et d'union via l'anneau d'alliance. Après une présentation des quatre interprètes dans laquelle chacun s'adonne à une forme de « fuis-moi, je te suis ; suis-moi, je te fuis », trois duos sont ainsi proposés. Dans chaque tableau, la chorégraphe est présente, affrontant successivement Vartan Kech, Dalila Khatir et Aurélien Richard.

Avec le premier, il s'agit bien d'un affrontement, mais avec les sept objets accrochés aux cintres, tenus par des perches en fer et se balançant au milieu du plateau. Objets du rebut (caisse en bois, bloc métallique, grosse lampe d'usine…), ils sont mis en mouvement par le jeune homme tandis que Julia Cima effectue des gestes saccadés (jambe tournoyant en arrière, accroupissement). Parfois, les corps se croisent furtivement mais les objets oscillant maintiennent une distance certaine. Avec Dalila Khatir, le propos s'oriente vers la fusion puisque les deux jeunes femmes vont faire corps, unissant leurs anatomies, entremêlant bras et jambes jusqu'à ne plus figurer qu'une seule personne.

Enfin, suivant une alternance un peu mécanique, le troisième duo voit Julia Cima et Aurélien Richard s'opposer : le second se munissant de son clavier-séquenceur, installé en bandoulière alors que jusqu'à présent, il s'occupait, côté jardin, des nappes et autres apports électroniques. Plaquant notes et accords sur son instrument configuré pour sonner comme une guitare métal, toute enrobée de distorsion, Aurélien Richard parcoure le plateau pendant que Julia Cima lâche dans un micro-casque onomatopées et babillages et sillonne également l'espace scénique dans des déplacements rapides, similaires à ceux de boxeurs se jaugeant. À l'image de tout le spectacle, la métaphore sur l'incommunicabilité et la distance entre les êtres se fait alors un peu trop lourde.

altered natives'Say Yes to Another Excess-TWERK

François Bousquet — 2012-10-31T12:46:18Z

Bien décidés à explorer un large éventail de l'art chorégraphique, Cecilia Bengolea et François Chaignaud s'attachent, avec altered natives'Say Yes to Another Excess-TWERK au clubbing et à plusieurs danses créées en boîte de nuit. Ainsi, leur nouvelle proposition voit cinq interprètes (outre eux deux, des danseurs professionnels mais aussi un vogueur) envisager une forme de mix entre dance, hip-hop, house et un grand nombre de leurs dérivés. La transformation du plateau en dancehall est d'autant plus prégnante que les DJ londoniens Elijah et Skilliam sont installés côté jardin, placés derrière leurs platines et chargés de l'accompagnement sonore indiscontinu.

Lorsqu'on entre dans la salle, la soirée a commencé, les cinq danseurs tournoyant déjà sur le plateau, bras tendus à la perpendiculaire et pieds effectuant de rapides rotations. La suite de l'heure de spectacle, si elle ne témoigne pas d'une grande logique dans son montage, permettra d'alterner solo, duos et chorégraphies de groupe, dans des tenues proches de celles des « fluokids » (tenues bariolées, perruques) et avec des mouvements régulièrement empreints d'une profonde tension sexuelle. À ce titre, hanches et fesses remuent un maximum sur scène, notamment dans une sorte de mille-pattes final dans laquelle chacun, dos au public, cale le haut de son corps sous le fessier de l'autre, si bien qu'on ne voit plus que les fesses et les jambes des interprètes.

Énergique jusqu'à l'extase jouissive, la création de Bengolea et Chaignaud constitue donc un nouveau moyen de rapprocher tradition chorégraphique (quelques postures et déplacements y font directement écho) et relents d'une expérience nettement plus populaire. Dans un tel contexte et bien qu'invitée à interagir grâce à des fils lumineux venant zébrer le plafond scénique comme celui des rangées de fauteuils, la salle reste bien sage, voire légèrement en retrait alors que tout indiquait qu'elle aurait pu se secouer à l'unisson des danseurs. De fait, pour une fois, on en vient même à regretter que les spectateurs ne se mettent pas debout et participent, de leurs sièges, à la transe dansante des interprètes.

Vestígios

François Bousquet — 2012-10-19T10:11:32Z

Si la désignation d' « installation chorégraphique » proposée par le programme de salle peut sembler un peu pompeuse a priori, il est vrai qu'elle correspond plutôt bien à la proposition de Marta Soares. Allongée sur une grande table et recouverte de sable, la Brésilienne n'en bougera pas mais son corps sera progressivement dévoilé, à mesure qu'un large ventilateur soufflera le sable. En écho à cette divulgation, des vidéos sont projetées sur deux grands écrans : un rien tautologiques, celles-ci sont concentrées sur des vestiges préhistoriques indigènes balayés par le vent. Autre composante du dispositif, plus intéressante, la bande-son mêle captations du vent et du souffle de la nature avec quelques crépitements et autres samples pour un résultat à la fois enveloppant et inquiétant. Même réussite pour le jeu sur la lumière, les éclairages conduisant le sable à prendre des teintes tantôt blanches, tantôt mordorées ou jaune vif.

Placée au centre de la salle, la table sur laquelle se tient Marta Soares peut donc être contournée par les spectateurs qui font le choix de rester debout ou de s'asseoir, de ne pas changer de place ou de faire le tour de l'espace, renforçant la dimension « installation » du projet. La révélation progressive et inexorable du corps de la chorégraphe joue évidemment sur la poésie et une forme de délicate surprise (on ne sait jamais quel morceau de corps va apparaître en premier, le ventilateur restant maître du jeu) bien que le tout soit terriblement statique. Ceci dit, cette lenteur renvoie bien au mécanisme des fouilles que les archéologues ne dévoilent qu'avec énormément de patience comme si ces « vestiges » se méritaient, en quelque sorte.

Rizoma

François Bousquet — 2012-07-15T20:15:07Z

À dire vrai, compte tenu du contexte (incertitudes météorologiques, nécessité d'être sur place ce dimanche matin à 6h30), on n'imaginait pas trouver environ deux cents personnes aux Invalides pour assister à la création de Sharon Fridman. Assurément, les spectateurs étaient autant venus pour découvrir ce jeune chorégraphe d'origine israélienne que pour vivre une forme d'expérience collective : se lever alors qu'il fait encore nuit, arpenter les pavés disjoints de la Cour d'honneur tandis que le jour se lève, applaudir le spectacle et partager café et viennoiseries celui-ci terminé. En l'absence de scène identifiée, le public ne sait pas trop où se mettre, certains restant au milieu de la Cour, d'autres s'asseyant sur les marches. Quand danseurs et musiciens pénètrent l'espace, ils arrivent de tous côtés et traversent eux-mêmes le lieu jusqu'à se positionner en son centre et rameuter, par conséquent, l'auditoire.

Présentée comme une « éco-chorégraphie », Rizoma part du motif du rhizome, partie souterraine d'une plante vivace, et, de fait, cette métaphore herbacée irrigue véritablement tout le spectacle. Respirations appuyées des intervenants au début, mouvement centripète des danseurs allongés, comme si une grappe humaine vivante se constituait, émergence, telle une racine principale, d'un intervenant de cet agrégat, chute à terre à la manière d'une branche morte : la demi-heure joue à l'évidence sur le « phytomorphisme » des soixante-dix danseurs. Opérant par gestes plutôt lents, travaillant sur l'effet masse de leurs rapprochements (tous vêtus de couleurs sombres, pour mieux faire corps) mais sachant aussi en extraire un bras ou une jambe, ces praticiens amateurs optent davantage pour la suggestion et l'organicité que la performance physique ou technique.

Pour les accompagner, dix violoncelles livrent une partition proche de la note tenue dans les premières minutes, puis plus mélodieuse et enveloppante dans la suite du déroulement avant d'aller vers des passages où l'aspect percussif de l'instrument est également utilisé. La disposition de la Cour d'honneur, avec ses bâtiments tout autour, contribuait évidemment à la réussite de l'ensemble : répercussion du son sur les murs, sentiment que les danseurs-plantes émergeaient des espaces entre les pavés, dimension à la fois majestueuse et resserrée sur elle-même, voire intime, de la proposition.

Autre date :
18 juillet 2012 : Parvis du Palais de Chaillot (6h30)

Si dans cette chambre un ami attend…

François Bousquet — 2012-05-09T12:09:32Z

Fidèles à Perrine Valli, nous ne saurions manquer sa nouvelle création, présentée dans le cadre des Rencontres Chorégraphiques de Seine-Saint-Denis. Annoncée, par rapport à ses travaux récents, comme un retour à quelque chose de plus conceptuel et de moins en prise avec des questions sociétales, Si dans cette chambre un ami attend… voit également la jeune femme opérer en solo, après plusieurs propositions en duo ou trio. La chambre du titre, tiré d'un vers d'Emily Dickinson, constitue donc le lieu central de la chorégraphique qui, précisément, fait montre d'une vision classique de cette pièce comme un espace mental dans lequel chacun peut projeter ce qu'il y souhaite, au gré de son propre imaginaire. Sous cet aspect, l'utilisation du drap noir qui jonche le sol permet de figurer aussi bien des vagues et remous quand il est agité par un assistant, qu'une forme de marée noire qui finit par engloutir la jeune femme.

Désireuse d'universaliser son propos, cette dernière se mime, au début, en train de regarder un film, assise sur une forme rectangulaire, la main en forme de « C » comme pour accueillir une tasse de thé. Ces gestes du quotidien sont ensuite évidemment répétés dans une démarche attendue dans laquelle on va retrouver ces postures qui signent en quelque sorte les spectacles de Perrine Valli : bras cassé, doigts joints et paumes tendues, avant-bras qui se croisent rapidement telles les aiguilles d'une horloge déréglée. Accompagnée par une musique instrumentale, type ambient sombre, la Franco-Suissesse va passer de la position debout à celle couchée, allant et venant sur la largeur du plateau, symbolisant ainsi toutes ces possibilités offertes par une chambre.

Pour représenter l'enfilade des jours, le noir se fait régulièrement (toutes les deux minutes, à peine), rendant peut-être difficile la préhension du spectacle qui, sur la fin, fait (enfin) le choix de travailler dans la longueur avec une séquence où Perrine Valli va opérer de manière nettement plus physique, nous laissant notamment voir son grand dorsal, ses trapèzes, infra-épineux et autres muscles dorsaux particulièrement mis à contribution. La tête cachée dans son T-Shirt, ses cheveux longs rabattus sur son visage, elle s'apparente alors à ces monstres qui peuplent les imaginaires enfantins et le dessous de leurs lits.

Autres dates :
2 et 3 février 2013 : ADN - Neuchâtel
9 février 2013 : JDCS - Bâle
23 et 24 février 2013 : Ferme du Buisson - Noisiel
25 et 26 mai 2013 : Théâtre d'Arras
5 et 6 juin 2013 : Centre culturel suisse - Paris

Le Temps scellé

François Bousquet — 2012-04-10T11:39:05Z

Initialement conçue comme un quatuor ou un trio, c'est sous forme de duo que Le Temps Scellé est présenté à Paris. En fait de duo, il s'agirait même de deux soli successifs, qui ne se font duo que dans le dernier tiers du spectacle de Nacera Belaza. Sur un plateau dénudé, tout juste entouré de six enceintes, la jeune femme se tient debout, dans un noir complet, tandis que son et lumière vont progressivement bénéficier d'un fade in propre à laisser apparaître la danseuse. Au fur et à mesure, l'ondoiement du corps accompagne cette montée en puissance et un travail sur les arrondis (des bras, de la tête, du bassin) s'assortit aux formes de la jeune femme et à son déplacement au sol. Tournant sur elle-même en cercles concentriques de plus en plus larges, comme le halo lumineux s'agrandit et que la bande-son s'affirme, Nacera Belaza habite de plus en plus l'espace malgré sa tenue grise impersonnelle.

Épousant ce geste chorégraphique (ou est-ce l'inverse ?), la musique, après avoir débuté comme une forme de plainte gospelisante, se pare de clappements de main et de piano plus rythmé pour évoluer vers une sorte de free-jazz. À la fin, quand les corps des deux sœurs sont proches de la transe, le tout s'avère extrêmement enlevé, voir un peu gratuit dans son apparente non-maîtrise de la durée. En fait d'être scellé, le temps s'étire et se distend tout au long de ces quarante minutes où les membres de Nacera et Dalila Belaza se courbent et se déploient.

Autres dates :
6 juin 2012 : Biennale de la danse - Djakarta (Indonésie)
9 juin 2012 : Centre culturel français - Surabaya (Indonésie)
17 juillet 2012 : CCAS - Avignon
27 et 28 septembre 2012 : Aoyama Theater - Tokyo (Japon)
7 octobre 2012 : Festival SIDance - Séoul (Corée du Sud)